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AKIRA KUROSAWA - LA LEYENDA DEL GRAN JUDO

2012-02-10T19:56:00.006+01:00

Parece mentira como siendo la primera película de Akira Kurosawa puede ser una obra tan madura en su reflexión y tan bien realizada cinematográficamente. Es cierto que antes de dirigir esta película, Kurosawa fue ayudante de dirección entre otros de Kajiro Yamamoto, y que había ganado varios premios como guionista. Todavía no se había producido la controversia entre cine de prosa y cine de poesía y este director, en su primer trabajo hace una perfecta conjunción de esas dos formas de cine. Como el gran artista que se confirmará más tarde, Kurosawa es capaz de narrar una pelea de judo con todo lo que este deporte tiene para los aficionados es capaz de narrar el encuentro del protagonista con la muchacha de la que se enamora con sucesión de planos en una escalera. Si a través de toda la película vamos viendo el cambio que sufre el protagonista de ser un fuerte pero alocado aprendiz de judo, como vemos en las imágenes de la fiesta del pueblo, a ser un maestro del judo con altísima sensibilidad por el sentir humano como vemos en los planos antes y durante la pelea con el padre de la chica a la que quiere. Pero técnicamente la película nos ofrece elementos muy considerables, destacando para mi el paso del tiempo en unos zuecos que son abandonados por el protagonista cuando se hace alumno de judo y como esos zuecos van sufriendo diversos avatares por las calles, el río, etc. Y hay un punto crucial en la película, la fuerza no es lo importante, sino lo importante es la naturaleza que te da la fuerza, y esto lo expresa Kurosawa utilizando una flor blanca que se abre ante el protagonista. Hay un plano del malo en el que tira las cenizas de su cigarrillo sobre los pétalos blancos de una flor y esa flor la volveremos a ver cuando Sanshiro se enfrente al malo y esto para mi es una perfecta demostración del cine poesía que tanto defenderá más tarde Pasolini. Curiosamente la película tuvo problemas con la censura básicamente por dos razones: el malo no podía ser japonés y por ello lo viste al estilo accidental y las escenas de los enamorados eran demasiado atrevidas para la cultura japonesa y tuvieron que ser cortadas en parte.

GUMMO

2012-02-07T20:50:00.002+01:00

DIRECTOR: Harmony Korine
GUIÓN: Harmony Korine
MÚSICA: Randall Poster
FOTOGRAFÍA: Jean-Yves Escoffier
REPARTO: Linda Manz, Max Perlich, Jacob Reynolds, Chlöe Sevigny, Jacob Sewell, Nick Sutton, Lara Tosh, Carisa Bara
USA, 1997, 89 min.
SINOPSIS: En un pequeño y aburrido pueblo americano, un grupo de adolescentes pasa sus ratos libres cazando gatos o esnifando pegamento.
OPINIÓN: En los años 60 y 70 aparece un Estados Unidos un cine antisistema e independiente que pretende la libre expresión mediante imágenes, del cual son representativos Jonas Mekas y Andy Warhol. En los 80 y 90 aparece un cine con las mismas pretensiones de libertad pero mas introducido en el sistema, especialmente de producción y distribución. Harmony Korine inicia sus pasos en este tipo de cine con esta película. Hay un guión y hay una enorme cantidad de improvisación en toda la película, lo cual es un aliciente si consideramos que los protagonistas no son profesionales y los ambientes son reales y apenas manipulados. Diríamos que se encuentra dentro de las tendencias del feismo, no por eludir la realidad americana, sino por buscarla y filmarla tal cual. Esto unido a una cierta violencia contra los animales, especialmente contra los gatos, puede hacer que determinado tipo de espectador se sienta molesto y no termine de ver la película. Pero es que la película trata de gente que de por sí vive en un ambiente violento, no solo en lo personal, también en el entorno, con una violencia visual e higiénica que precisamente el director quiere darnos a conocer, seguramente pensando en contrarrestar la imagen de un país idílico que normalmente presenta el cine de Hollywood. Destaca la fotografía absolutamente realista y sin manipulación.

CHILDREN WHO CHASE LOST VOICES FROM DEEP BELOW

2012-01-27T20:32:00.002+01:00

Hoshi o Ou Kodomo
DIRECTOR: Makoto Shinkai
GUIÓN: Makoto Shinkai
MÚSICA: Tenmon
JAPÓN, 2011, 120 min.
SINOPSIS: Asuna es una muchacha que al salir del colegio escucha una música a partir de la cual conocerá a un fantástico muchacho al que después buscará con la ayuda de un profesor.
OPINIÓN: Makoto Shinkai vuelve a acertar con el guión ofreciéndonos una hermosa historia sobre la búsqueda de la vida después de la muerte. Pero lo mejor de la película es sin duda el dibujo, un dibujo animado en el literal sentido de la palabra y lleno de arte, en el que combina los paisajes naturales con los fantásticos intercalando caras y figuras llenas de expresión. Me ha recordado toda la sutiliza que había en “5 centímetros por segundo” y todo el arte pictórico que allí descubrí, pero además aquí ha añadido un componente de aventura y acción que la hacen mucho más interesante. Tampoco la tengo como una de las mejores películas de animación, siendo como es buena, porque los rasgos faciales, especialmente en los primeros planos de la niña, me han recordado a Heidi, una serie japonesa que muchos recordarán de su infancia. También me ha parecido ver un exceso en la utilización de la sangre cuando la película pretende tener un toque de pacifista. Con todo la recomiendo a los amantes del cine de animación que no solo viene de Disney y a los cinéfilos que siguen todas las películas que tratan de un mundo fantástico en el que se pueden verter muchas ilusiones.

LOS AMANTES DEL PONT NEUF

2012-01-16T22:49:00.003+01:00

Les amants du Pont-Neuf
DIRECTOR: Leos Carax
GUIÓN: Leos Carax
FOTOGRAFÍA: Jean-Yves Escoffier
REPARTO: Juliette Binoche, Denis Lavant, Klaus-Michael Grüber, Daniel Buain, Marion Stalens, Chrichan Larson, Edith Scob
1991 FRANCIA 125min.
SINOPSIS: Una historia de amor entre dos vagabundos: Alex y Michelle. Él es un frustrado artista de circo a causa de su adicción al alcohol, y ella es una pintora que ha sufrido una dolorosa ruptura sentimental y, además, se está quedando ciega.
OPINIÓN: ¡Magnífico ejercicio cinematográfico! Esto es cine y esto es arte, es séptimo arte. Yo puedo contarte una historia con palabras, puedo contártela por escrito y ya hay que saber. Pues lo mismo en el cine, contarte la misma historia con imágenes es un arte. No se trata de que los personajes vayan contando lo que han hecho, lo que hacen o harán; son las imágenes las que van contando la historia. Ver a Juliette Binoche, a la que yo reverencio en “El paciente inglés”, “Chocolat” y “Tres colores…”, en el personaje de una clochard, con el pelo sucio y un ojo tapado con un esparadrapo, es un ejercicio de análisis interpretativo. Si yo fuera un profesor de interpretación en una escuela de arte dramático obligaría a mis alumnos a saberse de memoria los personajes interpretados por esta actriz. Sin duda la dirección de Leos Carax es fundamental pero a mi me parece determinante la dirección de fotografía de Jean-Yves Escoffier. La unión y continuidad de una borrachera con vino peleón y unos fuegos artificiales es extraordinaria y si te parece poco continuamos con un vals y ski acuático en una de las escenas, para mi, cumbre del cine. Y por si con lo dicho no es suficiente para incluir esta obra dentro del mejor séptimo arte tenemos la magnífica conjunción de imágenes y sonido en la persecución en el metro que se resuelve en la música y las imágenes del violonchelo. Una gozada de película.

NICHOLAS RAY - REY DE REYES

2011-08-28T17:12:00.003+02:00

King of Kings
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Philip Yordan
MÚSICA: Miklós Rózsa
FOTOGRAFÍA: Franz Planer, Milton Krasner, Manuel Berenguer
REPARTO: Jeffrey Hunter, Robert Ryan, Siobhan McKenna, Frank Thring, Hurd Hatfield, Rip Torn, Harry Guardino, Viveca Lindfors, Rita Gam, Carmen Sevilla
ESTADOS UNIDOS, 1961, 154min.
SINOPSIS: La historia de Jesús de Nazaret según los relatos de los Evangelios
OPINIÓN: Hasta esta película Nicholas Ray se manifestó como un director intimista, capaz de ha hacernos ver los sentimientos de los personajes. Sus escenas, en general, contaban con pocos actores moviéndose en el plano. Pero aquí aborda una película coral, una película de masas, donde estas masas son a su vez los protagonistas de la historia. Sin embargo en la introspección de los personajes principales de esta historia es cuando vemos al auténtico Ray, como por ejemplo en la escena de Juan el Bautista en el Jordán.

NICHOLAS RAY - LOS DIENTES DEL DIABLO

2011-05-24T14:17:00.010+02:00

The Savage Innocents
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Nicholas Ray
MÚSICA: Francesco Lavagnino (AKA Angelo Francesco Lavagnino)
FOTOGRAFÍA: Aldo Tonti & Peter Hennessey
REPARTO: Anthony Quinn, Yoko Tani, Peter O'Toole, Carlo Giustini, Marie Yang, Andy Ho, Kaida Horiuchi
REINO UNIDO, FRANCIA, ITALIA, 1960, 110 min.
SINOPSIS: Inc. es un esquimal que vive cazando para comer y abrigarse pero desea una mujer con la que vivir. La encuentra y con ella vive feliz hasta que el hombre blanco, la civilización, entra en sus vidas.
OPINIÓN: Muy al estilo Nicholas Ray cuando ha realizado una película con absoluta libertad el arranque es impactante con los planos del arponeo de un oso blanco sobre un fondo de nieve y hielo absolutamente blancos. Utilizando hermosísimos paisajes naturales árticos que para el momento de realización supo perfectamente combinar con planos de estudio Ray nos plantea una historia de un inocente esquimal salvaje. Esta historia está incluida en una especie de documental sobre el espacio ártico, sus animales, y muy especialmente el hombre que en origen ocupaba estas tierras. De forma magistral el director nos presenta las relaciones entre el hombre salvaje y la naturaleza, así como las relaciones humanas entre los miembros de ese grupo que se llaman a sí mismos “los hombres”. Pero esto está planteado como una historia dramática y empieza el verdadero drama cuando la civilización entra en el mundo de “los hombres”. Primero mediante las armas, después el alcohol y cuando intenta introducirse la religión es cuando se producirá el inicio del auténtico drama. De una forma increíble, Ray nos atrapa primero en un mundo ideal para conducirnos de forma inexorable al mundo dramático. Las relaciones entre Inuk, el salvaje inocente magníficamente interpretado por Anthony Quinn, con la civilización personificada en el policía que interpreta Peter O'Toole, conducirán a un enfrentamiento en la forma de entender la vida. Pero Ray es un hombre civilizado y al final, un final sorprendente, tomará postura. Hacer notar un relato en off absurdo que se introduce de vez en cuando en el relato cinematográfico innecesariamente, a no ser que se pretenda moralizar pues esta voz nos informa que para los esquimales “reír” con una mujer es casarse, para ver a continuación que “reír” es tener relaciones sexuales. Alrededor de este tema se producen momentos muy divertidos durante toda la película. Según declaraciones del propio director esta es su mejor película, no para mi, pero sin duda imprescindible para los que nos gusta el cine.

Se la recomiendo especialmente a Pepe del Montgó.

NICHOLAS RAY - CHICAGO AÑOS 30

2011-05-13T21:09:00.003+02:00

ALGO ME PASA EN EL BLOG PORQUE ES LA SEGUNDA VEZ QUE TENGO QUE PUBLICAR ESTA ENTRADA

Party Girl
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: George Wells
MÚSICA: Jeff Alexander
FOTOGRAFÍA: Robert Bronner
REPARTO: Robert Taylor, Cyd Charisse, Lee J. Cobb, John Ireland, Kent Smith, Claire Kelly, Corey Allen, Lewis Charles, David Opatoshu, Kem Dibbs, Patrick McVey, Barbara Lang, Myrna Hansen, Betty Utey
USA, 1958, 99min.
SINOPSIS: Un abogado presta sus servicios al gángster más poderoso de Chicago. Un día, se enamora de una bailarina de cabaret que acude a todas las fiestas de la mafia como acompañante. Entre ambos surge una relación.
OPINIÓN: Esta película, como tantas en su época, sufrió un característico cambio de título, pues no iba a aparecer en las carteleras como “Chica de compañía” pues fácilmente los pobres españolitos no asistirían a la sala pensando que se trataba de la historia de una muchacha que hacía compañía a las viejecitas. ¿O asistirían en masa buscando otra cosa? Como sea, nada más empezar, en uno de esos magníficos arranques de película que tanto me gustan de Nicholas Ray, queda claro de que tipo de muchacha se trata. Cyd Charisse hace una interpretación magnífica y aprovecha su oficio para enseñarnos sus magníficas piernas y su bien formado cuerpo en algunos números musicales perfectamente realizados. Pronto aparece el galán, algo mayor, que interpreta Robert Taylor, con un defecto en su pierna que puede ser la causa de sus frustraciones. Dos personas que están descontentas con el lugar que ocupan en la sociedad y que aspiran a ser felices a pesar del tiempo trascurrido en esos ambientes de los que pretenden salir. El ambiente es el de las mafias y por lo tanto la película pasa de lo que podría ser un musical a una película de amor en un mundo de gangster. ¡Que bien cuenta la historia el director! ¿Quieres ver bailar a las coristas? Las verás. ¿Quieres acción? La tendrás y de la buena. ¿Quieres amor? Del mejor y más maduro entre un hombre y una mujer que arrastran su historia. Todos estos elementos no acabo de entender como les gustaba tanto a los de la “Nouvelle Vague” porque muchos de ellos eran auténticos pesados contando historias. Si comprendo que le gustara a François Truffaut que aprendería mucho para realizar “La noche americana” y contarnos historias de verdaderos personajes. Muy recomendable.

NICHOLAS RAY - MUERTE EN LOS PANTANOS

2011-03-23T18:45:00.003+01:00

Wind Across the Everglades
DIRECTOR: Nicholas Ray, Budd Schulberg
GUIÓN: Budd Schulberg
MÚSICA: Paul Sawtell, Bert Shefter
FOTOGRAFÍA: Joseph C. Brun
REPARTO: Burl Ives, Christopher Plummer, Chana Eden, Gypsy Rose Lee, Tony Galento, Sammy Renick, Pat Henning, Peter Falk, Cory Osceola, Emmett Kelly, MacKinlay Kantor, Totch Brown, George Voskovec, Curt Conway, Sumner Williams, Howard Smith
USA, 1958, 93 min.
SINOPSIS: Un joven profesor de ciencias naturales llega a Miami, donde empieza a trabajar para una sociedad que se encarga de la protección de las aves, que son cruelmente masacradas en los manglares de la zona, para comercializar las plumas, muy populares como adornos femeninos. Se enfrenta a Cottonmouth, líder de un grupo de cazadores sin escrúpulos.
OPINIÓN:
JACK: Me maravilla la forma en que Nicholas Ray utiliza las imágenes para situarnos desde el principio en el ambiente que se va a desarrollar la historia: mujeres con sombreros de plumas, falta de autoridad, naturaleza hermosa y exuberante en contraposición con la matanza de aves para conseguir sus plumas. En diez minutos de película tenemos todos los ingredientes para engancharnos al tema. Quizás por esto no hubiera sido necesaria la voz en off del principio que pretende ser un preámbulo. En la resolución de la película aparece una cena con borrachera antológica, donde la interpretación de Christopher Plumier, pero sobre todo de Burl Ives son memorables acompañada de unos diálogos que definen la auténtica intención ecologista del director. Hay una serie de fallos en la narración, seguramente no imputables a Ray, que hacen que esta película no se cuente entre sus mejores obras, pero sus planos en los pantanos serán de los mejores que haya conseguido en un escenario natural. A todos os la recomiendo con reservas. No así a Pepe del Montgó, a quien se la recomiendo encarecidamente porque encontrará en esta película abundantes elementos ecológicos.

AMARGA VICTORIA - NICHOLAS RAY

2011-03-10T18:21:00.003+01:00

Bitter Victory
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: René Hardy, Nicholas Ray, Gavin Lambert (Novela: René Hardy)
MÚSICA: Maurice Leroux
FOTOGRAFÍA: Michel Kelber (ByN)
REPARTO: Richard Burton, Curd Jürgens, Ruth Roman, Raymond Pellegrin, Anthony Bushell, Alfred Burke, Sean Kelly, Ramón de Larrocha, Christopher Lee
USA, 1957, 101min.
SINOPSIS: En la Segunda Guerra Mundial y durante unaa misión en Libia se encuentran un marido y el escamante de su mujer. Entonces surge la rivalidad entre ambos.
OPINIÓN: En principio se trata de un drama psicológico que se desarrolla en un ambiente bélico, durante la Segunda Guerra Mundial en el desierto de Libia. Pues bien, ni es lo primero ni es lo segundo a pesar de intentar una ambientación que tampoco la considero lograda. El desierto me suena muy falso y los movimientos de los personajes por él absolutamente improbables. ¿Puede aparecer en unos restos en medio del desierto un caballo y de cuya presencia no se dan cuenta hasta pasado un tiempo? Pero esto no es lo importante. La guerra psicológica entre el marido y el escamante de su mujer se lleva a extremos infantiles. Más por parte del marido y eso que Richard Burton trata de ser convincente, tanto que se pasa en su interpretación. No me ha gustado pero tendré que decir, por lo que he leído, que esta película fue admirada por los críticos europeos en su momento. Está claro que soy europeo pero no soy un crítico de cine de aquel momento. Me gustaría que la vieran y aunque sea más adelante me la comentaran por si a mi se me ha pasado algo.

LA VERDADERA HISTORIA DE JESSE JAMES - NICHOLAS RAY

2011-01-26T21:13:00.004+01:00

The True Story of Jesse James
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Walter Newman, Nunnally Johnson
MÚSICA: Leigh Harline
FOTOGRAFÍA: Joseph MacDonald
REPARTO: Robert Wagner, Jeffrey Hunter, Hope Lange, Agnes Moorehead, Alan Hale Jr., Alan Baxter, John Carradine
USA, 1957, 92min.
SINOPSIS: Después de luchar en el bando perdedor de la Guerra Civil Norteamericana, Jesse James se ve desplazado y con dificultades para trabajar. Esto, unido al maltrato que sufre su familia por parte de los vencedores, le lleva a marginarse y pasa a ser un forajido.
OPINIÓN:
Estamos ante una auténtica película del oeste, con sus disparos, con sus caballos, asaltos al tren y a los bancos, buenos y malos. Y aquí está el logro de este director, presentarnos un malo y explicarnos porque es malo. La historia está narrada con varios flashbacks que le dan una estructura cinematográfica interesante, alejándola de una narración plana. Una de las cosas que destacaría es la utilización del cinemascope para entrar en las causas íntimas del personaje que le llevan a ser un forajido, y no es esto fácil porque el espectador está acostumbrado a la utilización del primer plano cuando se trata de una introspección psicológica. Sin embargo Ray sabe llenar la pantalla pero hace que la mirada y el interés del espectador se dirijan a Jesse James. Lástima que este interesante personaje esté interpretado por un actor, Robert Wagner, que no alcanza la talla de la figura que interpreta. Le voy a poner un “pero”: no salen indios.

NICHOLAS RAY - SANGRE CALIENTE

2010-12-31T19:22:00.003+01:00

Hot Blood
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Jean Evans, Jesse Lasky Jr.
MÚSICA: Les Baxter
FOTOGRAFÍA: Ray June
REPARTO: Jane Russell, Cornel Wilde, Luther Adler, Joseph Calleia, James H. Russell, Nina Koshetz
USA, 1956, 85min.
SINOPSIS: Dos gitanos se casa por imposición del hermano mayor del varón. En principio no están enamorados ni él quiere pasar por la tradición gitana, así que se producirán una serie de desencuentros.
OPINIÓN:
Nunca había visto esta película, así que desde los títulos de crédito hasta el final he ido de sorpresa en sorpresa. Con los ojos como platos me he quedado cuando he visto la ambientación de un clan gitano europeo en Estados Unidos. No me lo podía creer y cuando entra en escena Cornel Wilde, casi me levanto para apagar el televisor. Menos mal que me he dado cuenta a tiempo que me he comprometido a un ciclo de Nicholas Ray y he continuado sentado. Y digo menos mal, porque he podido disfrutar de una Jane Russell que lleva ella solita toda la película. O quizás es que no he tenido ojos más que por ella. A medida que iba pasando la historia yo dudaba de estar viendo una película de Ray, y menos una película realizada después de las que son sus joyas: “Johnny Guitar” y “Rebelde sin causa”. Hay unos números musicales, o eso pretenden ser, que no pueden estar peor realizados y sobre todo cuando se produce el salto de los primeros planos del protagonista a plano general. ¡Cómo se nota que no son el mismo actor! ¿Y el paso del tiempo? En algunos momentos parece que lo ocurrido fue ayer cuando ya han pasado meses. Y hay que llegar al final para creérselo, o no, porque ni en los cuentos de Disney se solucionan las cosas de esa manera. Aunque el director se viera obligado a dirigir este bodrio tenía que haberle dado un poco de dignidad. Insisto, no me lo puedo creer. Véanla, véanla y juzguen ustedes. No soy tan malo, así que mejor no la vean. Y yo me voy a preparar para disfrutar de esta nochevieja y aprovecho para desearles muy buen cine en el 2011.

NICHOLAS RAY - MÁS PODEROSO QUE LA VIDA

2010-12-21T19:55:00.002+01:00

Bigger than Life
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Cyril Hume & Richard Maibaum
MÚSICA: David Raksin
FOTOGRAFÍA: Joe MacDonald
REPARTO: James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau, Robert Simon, Christopher Olson
USA, 1956, 95 min.
SINOPSIS: Un profesor que sufre una rara enfermedad tiene que tomar una medicación a base de cortisona que le afectará en su comportamiento.
OPINIÓN:
Nicholas Ray utiliza el formato cinemascope de forma genial para una película de análisis psicológico, moviendo la cámara sutilmente para que todos los personajes queden perfectamente encuadrados en el ambiente correspondiente. O bien, cuando son varios los coloca de forma tal que turba al espectador, como ocurre en la habitación del hospital. Con una interpretación magistral de James Mason, Ray analiza lo que le ocurre a un enfermo aterrorizado por lo que le ocurre y trasmite ese terror a todos los demás personajes que conviven con él. Pero lo que más me ha gustado de esta película es la forma en la que el director disecciona varios aspectos de una sociedad aburguesada en la que familia, educación, religión y otros pilares sociales parecen intocables. Destacable es la escena del espejo roto en el que hay un juego de realidad y de falsa realidad proyectada en los trozos del espejo.

NICHOLAS RAY - REBELDE SIN CAUSA

2010-12-10T21:10:00.005+01:00

Rebel Without a Cause
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Stewart Stern
MÚSICA: Leonard Rosenman
FOTOGRAFÍA: Ernest Haller
REPARTO: James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, William Hopper, Edward Platt, Nick Adams, Dennis Hopper
USA, 1955, 111min.
SINOPSIS: Tres jóvenes coinciden en una comisaría. Cada uno está allí por un motivo distinto pero básicamente el origen está en la relación con sus padres. Después coincidirán en el lugar de estudios y a partir de ahí viven experiencias comunes
OPINIÓN: Nicholas Ray sabe como utilizar los planos para sobreimpresionar los títulos de crédito y aquí se luce con un muchacho tambaleante por los efectos del alcohol que se tumba a dormir la mona en medio de la calle junto a un juguete que acaba de encontrar. A continuación el director sitúa a tres jóvenes, los tres protagonistas, en una comisaría de policía donde están retenidos por delitos menores. Y es ahí donde conoceremos las causas por las que cada uno ha llegado a ser un inadaptado social. El guión es más que correcto para contarnos la historia y aquí mismo, en la comisaría, se darán los elementos que después aparecerán en la unión de las historias de los tres protagonistas. Conoceremos también su relación con la familia en esta comisaría, aunque después se maticen esas relaciones. Y arranca la historia de estos tres jóvenes que van a vivir sus encuentros y desencuentros fundamentales en 24 horas. A los tres les sobra todo lo material y les falta el cariño. Esa búsqueda de cariño es la que les va a unir. Es cierto que de en la mitad final de la película sobran detalles sensibleros pero la historia que nos cuenta el director es esa. ¿Y cómo la cuenta? porque esto es la base de una película, pues cuidando mucho los planos de sus tres protagonistas y en especial los de Sal Mineo que es el papel secundario. Nicholas Ray se nota que está trabajando a gusto con los tres jóvenes, y estos, como presagiando su futuro, se entregan al director. James Dean murió en un accidente de coche a los 24 años, Natalie Wood se ahogó a los 43 años y Sal Mineo murió asesinado a los 37 años.
Por supuesto que para mi esta no es la mejor película de Ray y sólo la calificaría de buena. Algo que no me gusta es la situación de los personajes en los primeros planos a los que les sobra demasiada pantalla aunque lo compensa con esa maestría que tiene en montar los planos de conjunto donde cada personaje está situado en un punto de interés.
He observado que ahora se acercan por primera vez a la película, muchos espectadores que quedan defraudados. Y es que se ha escrito mucho sobre esta película, pero si lo analizamos bien, veremos que se ha escrito sobre James Dean pero no exactamente sobre la película.
De todas formas hay que verla y si es posible, despéjese de los prejuicios.

NICHOLAS RAY - JOHNNY GUITAR

2010-11-29T21:12:00.003+01:00

Johnny Guitar
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Philip Yordan (Novela: Roy Chanslor)
MÚSICA: Victor Young
FOTOGRAFÍA: Harry Stradling
REPARTO: Joan Crawford, Sterling Hayden, Scott Brady, Mercedes McCambridge, Ward Bond, Ernest Borgnine, John Carradine, Royal Dano, Ben Cooper
USA, 1954, 110min.
SINOPSIS: La dueña de un saloon espera que pase el ferrocarril por allí y hacerse rica. En el pueblo los poderosos están en contra. Ella contrata a un pistolero para que le ayude. Este pistolero y la dueña del saloon han estado enamorados antes.
OPINIÓN:
Nicholas Ray que ha cuidado mucho algunas presentaciones de sus películas anteriores pero en esta, que para mi es su obra maestra, coloca los títulos sobre un fondo azul y con unas letras comunes, poco elaboradas. La primera media hora es toda una lección de arte, del 7º arte, en la que mediante planos que son pinceladas maestras entramos en la trama y en la psicología de cada personaje. Sin duda el mérito es del director, pero hay que destacar la magnífica interpretación de todos los actores, principales y secundarios. El guión de esa media hora es para tenerlo por escrito y leerlo mientras imaginas la planificación que podría dársele. No creo que ningún director hubiera interpretado este guión como lo hizo Nicholas Ray. Toda la película es un enfrentamiento continuo de unos personajes con otros, no sólo con los puños y las armas, sino también dialécticamente marcando cada uno su personalidad. La mujer participa en estos enfrentamientos al mismo nivel que el hombre y esto le da un carácter especial a este western que se adelanta en el tiempo con la valoración de la mujer. El director tiene mucho cuidado en colocar a cada uno en un sitio que siempre será el adecuado para que los planos que se puedan tomar remarquen la personalidad de cada uno, más que las palabra que digan. Si los primeros planos son perfectos y los actores saben responder a ellos, los planos de conjunto son de arte y consiguen presentarnos a todos los personajes como en una coral de tragedia griega. Como quiera que todos sabemos que esta película es una historia de amor, Nicholas Ray salpica continuamente las referencias amorosas y de desamor con auténticas peleas al más puro estilo del oeste y consigue la que para mi es su obra maestra, la obra mítica, sin que se le pueda tildar de melodramático.

NICHOLAS RAY - BUSCA TU REFUGIO

2010-11-24T20:57:00.004+01:00

Run for Cover
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Winston Miller (Historia: Harriet Frank Jr., Irving Ravetch)
MÚSICA: Howard Jackson
FOTOGRAFÍA: Daniel L. Fapp
REPARTO: James Cagney, Viveca Lindfors, John Derek, Jean Hersholt, Grant Withers, Jack Lambert, Ernest Borgnine, Ray Teal, Irving Bacon, Trevor Bardette, John Miljan, Gus Schilling
USA, 1955, 93 min.
SINOPSIS: Una pareja de hombres son confundidos con unos asaltantes de trenes. En la persecución es herido el más joven y a partir de ahí el mayor se hará responsable de él. El pueblo, en desagravio, los nombran sheriff y ayudante. El pasado del actual sheriff y la juventud de su ayudante irán aflorando en los acontecimientos del pueblo.
OPINIÓN:
Magníficos planos para los títulos de crédito de una auténtica película del oeste que van acompañados de un canción al más puro estilo far-west. Un hermoso valle, un jinete a caballo que se dirige a un río para beber, alguien aparece por detrás y ¡zas! desenfunda la pistola. No hay duda que se trata de una película del oeste. El primer jinete es Matt, algo maduro, y el que aparece jugándose la vida es Davey, un muchacho de un pueblo cercano que quiere vivir una vida más interesante que la que lleva. Un detalle muy de Nicholas Ray, mientras Helga está tirando con fuerza de un ternero y acarreando un gran cubo de agua, lleva en la otra mano un ramo de margaritas. ¿Se puede expresar mejor como es esa mujer? James Cagney está soberbio en su interpretación de sheriff que antepone siempre la justicia y tiene un momento precioso de humor cuando en los calabozos está hablando con Helga y dando rodeos para declararle su amor y esta se le adelanta aceptándole en matrimonio. A continuación se produce otra escena divertida y muy bien interpretada en tono de comedia cuando Matt va a casa de Helga para pedirla en matrimonio. Este recurso de incluir un momento de comedia que relaje al espectador en los momentos difíciles de la película es algo que Ray ya ha empleado antes y le sale muy bien. El espectador se lo agradece. Hay sheriff, forajidos, persecuciones a caballo, disparos a ver quien desenfunda antes y hay hasta indios. Todo lo que se espera de una buena película del oeste. Pero si alguien busca amor, o análisis psicológico que no se engañe, aquí lo hay y del mejor. Película altamente recomendable.

¡PERDÓN! Un enorme error cometido por mi parte y descubierto por ese sagaz bloguero que es ANRO, cuyo blog os recomiendo encarecidamente, me ha hecho dar esta opinión antes de la opinión que tengo sobre "Johnny Guitar", cuya realización de 1954 es anterior a "Busca tu refugio"

NICHOLAS RAY - HOMBRES ERRANTES

2010-11-18T19:48:00.007+01:00

The Lusty Men
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Horace McCoy, David Dortort (Novela: Claude Stanush)
MÚSICA: Roy Webb
FOTOGRAFÍA: Lee Garmes (B/N)
REPARTO: Susan Hayward, Robert Mitchum, Arthur Kennedy, Arthur Hunnicutt, Frank Faylen, Glenn Strange, Lane Chandler, Walter Coy, Carol Nugent, Maria Hart, Lorna Thayer
USA, 1952, 113min.
SINOPSIS: Tras una serie de accidentes un famoso vaquero que se dedica al rodeo se emplea en un rancho. Un joven lo reconoce y le pide que le entrene. El vaquero, el joven y su mujer irán por las distintas competiciones estableciéndose una serie de vínculos entre ellos.
OPINIÓN:
La película tiene un guión perfecto aunque denote su origen a partir de una novela que trata de la vida errante de los vaqueros que van de rodeo en rodeo. Y posee unos cuidados diálogos capaces de mostrar los distintos estados de ánimo por los que pasan sus personajes. Destacaría los diálogos algo cínicos entre Jeff (Robert Mitchum) y Louise (Susan Hayward) llenos de desconfianza, de pretendida indiferencia, de amistad y hasta de verdadero amor. Aunque sean estos dos personajes los que aparentemente centran la acción de la película, el personaje del marido, Wes (Arthur Kennedy) une perfectamente toda la acción y el devenir de estos. Realmente los tres actores principales están geniales en su interpretación. Uno no puede imaginar a R. Mitchum interpretando un duro vaquero siguiendo locamente enamorado a una mujer. O a S. Hayward con esa cara de mujer que ha vivido de todo interpretando a una fiel y enamorada esposa. O a A Kennedy, con su carácter de hombre correcto divagando por su obsesión por el dinero. Ray los lleva a los tres siempre al límite, lo cual unido a las impactantes escenas de rodeo, nos dará una obra casi maestra. El director construye la historia íntima de estos personajes en un montaje de primeros planos que son para llenar toda una galería de exposiciones. No se la pierdan.

NICHOLAS RAY - LA CASA EN LA SOMBRA

2010-11-12T21:23:00.002+01:00

On Dangerous Ground
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: A.I. Bezzerides
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B/N)
REPARTO: Robert Ryan, Ida Lupino, Ward Bond, Ed Begley, Cleo Moore, Sumner Williams, Charles Kemper
USA, 1951, 82 min.
SINOPSIS: Jim Wilson es un policía violento, amargado y con tendencias solitarias porque no le gusta su trabajo ni lo que la gente piensa de el. Por su agresividad es trasladado al campo a resolver un caso de asesinato. Allí dará un cambio radical su personalidad cuando entra en contacto con el padre de la victima y la hermana del asesino.
OPINIÓN: En esta película Nicholas Ray vuelve a entrar en el interior de una persona atormentada y solitaria, el policía que de forma magistral interpreta Robert Ryan. En una historia de persecución de asesinos, primero en la ciudad, con otros compañeros y después en el campo, el director va analizando como el policía solitario va descubriendo su identidad y que tipo de vida lleva y la vida a la que está abocado sin querer a nadie. El director nos descubre la dureza del personaje en escenas policíacas en los barrios de la ciudad con sus delincuentes, soplones, y policías. Después, cuando el policía llega al campo veremos como el policía va descubriendo su propia identidad. El director ha conseguido una auténtica disección del personaje con sus contradicciones que se ven perfectamente contrastadas con el personaje de Ida Lupino, corto en su papel, pero muy intenso. Desde que empieza hasta el final la película no tiene ningún plano que no esté cargado de interés, tanto por las historias policíacas como por la historia personal del protagonista. Si en el ambiente policíaco de la ciudad Ray sabe describir exactamente lo que interesa para la historia, en el campo, con paisajes nevados consigue la misma expresividad cinematográfica. Yo no llegaría a calificarla de obra maestra pero si la tengo como una película muy buena.

NICHOLAS RAY - INFIERNO EN LAS NUBES

2010-11-08T13:37:00.002+01:00

Flying Leathernecks
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: James Edward Grant (Historia: Kenneth Gamet)
MÚSICA: Roy Webb
FOTOGRAFÍA: William Snyder
REPARTO: John Wayne, Robert Ryan, Don Taylor, Janis Carter, Jay C. Flippen, William Harrigan, Barry Kelley, James Bell, Carleton Young, Brett King, Maurice Jara, Britt Norton, Adam Williams, Lynn Stalmaster, Sam Edwards
USA, 1951, 102 min.
SINOPSIS: en una pequeña isla de Hawai el mayor Dan Kirby es nombrado nuevo comandante del escuadrón de combate VMF-247. Los soldados del escuadrón esperaban que hubiera sido nombrado su actual capitán. El mayor y el capitán se enfrentan personalmente en muchas ocasiones por su opinión sobre las misiones que tienen que realizar y el trato con los soldados. Todo ello en una continua sucesión de ataques a los japoneses.
OPINIÓN:
Muy pronto, al empezar la película veremos que Nicholas Ray cuenta una vez más con buenos actores a los que sabe dirigir y veremos una de las marcas de este director, los planos de conjunto de 3 a 6 o más personajes que con ligeros movimientos de cámara y suaves cambios van dándonos la situación y el carácter de cada uno. Ya en la primera batalla comprobaremos que el director no ha dispuesto de mucho dinero y por lo tanto las imágenes generales son de archivo. Utiliza la superposición en vuelo cuando saca a los personajes y en tierra rueda planos que bien montado con los anteriores nos dan esa dimensión de las batallas. Tratándose de una película de aventuras bélicas el director abandona el tratamiento de las relaciones humanas en muchas ocasiones por las secuencias puramente de guerra. Esto le resta profundidad de análisis de los personajes que en el caso de los soldados parecen críos. Como la mayoría de las películas bélicas que se hacen en esos años, todo es a mayor gloria del ejército americano. Y con John Wayne dentro, aún más.

NICHOLAS RAY - NACIDA PARA EL MAL

2010-11-04T09:56:00.003+01:00

Born to Be Bad
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Edith R. Sommer, Robert Soderberg, George Oppenheimer (Novela: Anne Parrish)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: Nicholas Musuraca (B&W)
REPARTO: Joan Fontaine, Robert Ryan, Zachary Scott, Joan Leslie, Mel Ferrer, Harold Vermilyea, Virginia Farmer, Kathleen Howard
USA, 1950, 94 min.
SINOPSIS: Christabel llega a casa de su prima para con la aureola del que no ha roto un plato. Inmediatamente se interpone en las relaciones de su prima y hará todo lo que pueda para conseguir sus objetivos. En esta situación nace el amor entre Christabel y un novelista.
OPINIÓN:
Sólo en el arranque de la película ya podemos comprender que se trata de una obra en la que el director no tiene puestas muchas ilusiones. Sobreimprimir los títulos sobre una tela de seda es una vulgaridad aunque procure que esa tela tenga unos pliegues. ¡Faltaría más! ¡Qué le estaría pasando al director! Y a partir de ahí toda una serie de sonrisas y expresiones insulsas de Joan Fontaine que uno no acaba de creerse, ni siquiera en el propio personaje. Creo que Nicholas Ray se equivocó en la elección de la actriz principal. No así al elegir a Robert Ryan que configura perfectamente su papel, muy especialmente cuando tiene que abrazar a una mujer. La historia es un melodrama increible de novelita rosa en el que seguramente el Comite de Actividades Antiamericanas estuvo totalmente de acuerdo. Dentro del ciclo del cine de Nicholas Ray es necesario verla para comprender que tambien se hacía cine para comer y por encargo y muchas de sus escenas nos pueden servir comparando con otras anteriores y comprobar que se pueden hacer mucho mejor aunque resulten menos folletinescas para la venta. Necesaria si quieres conocer a Nicholas Ray, prescindible si buscas una buena película.

NICHOLAS RAY - EN UN LUGAR SOLITARIO

2010-10-28T19:07:00.003+02:00

In a Lonely Place
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Andrew Solt
MÚSICA: George Antheil
FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey (B/N)
REPARTO: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart, Carl Benton Reid, Art Smith, Morris Ankrum, Steven Geray, William Ching
USA, 1950, 91 min.
SINOPSIS:
Un guionista cínico y violento se lleva a su casa a una muchacha para que le cuente el libro que acaba de leer y sobre el que tiene que escribir un guión. Cuando la muchacha sale de casa del guionista es asesinada y la policía tiene como principal sospechoso al propio guionista. Este conoce a una actriz de poca monta y se enamoran.
OPINIÓN:
En los cinco primeros minutos de la película el director nos ha presentado perfectamente al personaje principal: un cínico, violento y sensible guionista de Hollywood. Hay que ser un maestro del cine para en tan pocos planos decir tanto y tan profundo de un personaje y Nicholas Ray lo consigue. La película está plagada de detalles cinematográficos y sólo citare uno, nada más empezar la película vemos en un espejo retrovisor la imagen de Humphrey Bogart y aparece entonces su nombre en los títulos.
Considero que para que una película sea una obra maestra no debe tener absolutamente ningún fallo y en esta, en el diálogo del principio con la muchacha que le devuelve el libro detecto dos momentos que no me gustan. Uno, ella se le acerca y cuando Dix ya la está mirando le toca el hombro para llamar su atención. Y dos, la muchacha está sonriendo y en el plano inmediato está seria.
Como elemento original y muy positivo destaca una escena en pura comedia justo en el centro de la película entre Dix, Laurel, el representante y el actor borracho que como buena comedia termina en un beso. Estos mismos personajes estarán presentes en la escena más dramática de la película. A partir de esa escena de comedia la película empieza su ascensión trepidante al climax llevada por una interpretación magistral de los actores y una exactitud en la planificación por parte del director. La música, sin protagonizar ninguna escena irá marcando la situación anímica de los personajes. El final, que es el que espera el espectador, es al mismo tiempo el final que no quiere que se produzca.
Esta es una de esas películas que hoy día es políticamente incorrecta por el tema del maltrato pero que ningún buen aficionado al cine puede dejar de ver más de dos veces porque cinematográficamente es absolutamente correcta.

NICHOLAS RAY - LLAMAD A CUALQUIER PUERTA

2010-10-23T20:46:00.002+02:00

Knock on Any Door
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: John Monks Jr., Daniel Taradash (Novela: Willard Motley)
MÚSICA: George Antheil
FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey (B/N)
REPARTO: Humphrey Bogart, John Derek, George Macready, Allene Roberts, Candy Toxton, Mickey Knox, Barry Kelley
USA, 1949, 100min.
SINOPSIS: Un joven delincuente es acusado de haber matado a un policía. Recurre entonces a un prestigioso abogado que conoce bien los barrios bajos puesto que se crió en ese ambiente.
OPINIÓN: Destacan el trepidante principio y el juicio final como un paréntesis dentro del cual se nos cuenta una historia de un delincuente desarraigado de la sociedad. Pero el relato de la historia es poderoso cinematográficamente pues recurre a continuos flashbacks perfectamente introducidos por la defensa en el juicio y están tan bien hilvanados, montados por una magnífica montadora a las órdenes del Nichola Ray, que el espectador no se pierde en el tiempo y además toma progresivamente interés por la historia de Nick Romano. En esos tiempos del cine a los guionistas y montadores se les consideraba auténticos artista y en muchos casos tenían su autonomía independiente del director. Director que en este caso cuida con sumo detalle la ambientación de calles, casas, bares, tugurios y demás por donde se desenvuelve el joven delincuente. Así mismo relata de una forma impactante, con primeros planos, planos – contraplanos y travellings las historias que han ido marcando a Nick el delincuente. Les recomiendo que cuando aparezca “The End” no se levanten de la butaca y, como personas inteligentes que les considero, piensen y se emocionen en todo el tiempo que se mantiene el título del final. Estoy seguro que les va a gustar.

NICHOLAS RAY - UN SECRETO DE MUJER

2010-10-16T21:31:00.002+02:00

A Woman's Secret
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Herman J. Mankiewicz (Novela: Vicki Baum)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B&W)
REPARTO: Maureen O'Hara, Melvyn Douglas, Gloria Grahame, Bill Williams, Victor Jory, Jay C. Flippen
USA, 1949, 85 min.
SINOPSIS: Marion, una actriz y cantante retirada ya de la vida profesional por haber perdido la voz, intenta formar y promocionar a Susan, una joven artista cuyo nombre artístico es Estrellita, que posee buenas cualidades pero carece de carácter. En una discusión entre ambas Susan cae herida por un disparo.
OPINIÓN: La película es un auténtico folletín basado en una novela de Vicki Baum, autora de moda y de “Gran Hotel, también llevada a la pantalla. El guión es de Herman J. Mankiewicz, guionista de “Ciudadano Kane”, y eso hace que el folletín tenga mayor interés. Así mismo la interpretación de los actores es muy correcta y yo destacaría la interpretación de las dos protagonistas, y sobre todo la interpretación de Gloria Graham que con su arqueamiento de cejas le da una gran intensidad a su personaje. En este momento la actriz está casada con Nicholas Ray y eso se tiene que notar en los cuidadísimos planos que le hace. La película contiene cierta intriga que se mantiene hasta el final pues está contada en sucesivos flashbacks perfectamente hilvanados por secuencias de la realidad, donde el inspector y su mujer constituyen un perfecto y divertido nexo. No es una obra maestra pero si demuestra lo que un buen director es capaz de hacer para interesar a los espectadores. Hay que verla sin prejuicios.

NICHOLAS RAY - LOS AMANTES DE LA NOCHE

2010-10-09T12:25:00.001+02:00

They Live by Night
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Nicholas Ray (Novela: Edward Anderson)
MÚSICA: Leigh Harline
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B/N)
REPARTO: Cathy O'Donnell, Farley Granger, Howard Da Silva, Jay C. Flippen, Helen Craig, Will Wright, Marie Bryant, Ian Wolfe, William Phipps, Harry Harvey
USA, 1948, 95 min.
SINOPSIS: El joven que acaba de escapar de prisión con otros dos reclusose refugia en la casa de una chica joven que pronto se siente atraída hacia él. Los dos se ven obligados a emprender una huida sin rumbo fijo. Pero el destino está escrito y será imposible burlarlo.
OPINIÓN: Me he propuesto ver todas las películas de Nicholas Ray en orden cronológico según su realización, así que no pretendo hablar de películas que se realizaron después y que me pueden haber gustado más o menos. Comparar películas que tienen temas distintos me parece un ejercicio difícil y nada necesario. Sólo cuando es el mismo tema y más particularmente si se trata de un momento concreto puedo comparar el tratamiento fílmico que ha utilizado cada director. Por poner un ejemplo: puedo comparar el momento-secuencia en que Clyde, de “Bonnie and Clyde” es acribillado por la policía con otras secuencias en las que un fugitivo de la ley muere por los disparos de los agentes de policía. Pero verán ustedes, cada una de dichas secuencias está dentro de una historia que nunca es igual y por lo tanto el director, cada director, tendrá que expresar las diferencias. Además si yo les cuento algo, permítanme que sea a mi modo.
Y todo esto para decir que Nicholas Ray nos cuenta la historia de un fugitivo que desea terminar su huida para ser feliz. Felicidad a la que cree tiene derecho. Todos sabemos que es la primera vez que se rodaron los planos desde un helicóptero para seguir a los coches en algunos momentos de la película y, en especial, en el plano sobre el que van impresos los títulos. Pero aquellos planos, casi primeros planos, de los protagonistas, hasta cuatro cuando llegan a casa de la muchacha, para ese formato que tiene la película, son de pura artesanía e indicativos de lo que será un buen director.
Toda la banda sonora está cuidada para expresar esa angustia en la que viven los protagonistas, de manera que un toque en la puerta, o el sonido de un coche que se acerca, produce en el espectador la misma parálisis que a los fugitivos. Destacar la canción en un momento feliz que tienen los protagonistas.
Con todo lo dicho queda claro que se la recomiendo a todos los amantes del cine. Eso sí, siento que la interpretación de Farley Granger no este a la altura de lo que esperaba aunque ya se venía venir a James Dean para sustituirle.

JENNIE

2010-10-07T21:53:00.004+02:00

Portrait of Jennie
DIRECTOR: William Dieterle
GUIÓN: Paul Osborn & Peter Berneis (Novela: Robert Nathan)
MÚSICA: Dimitri Tiomkin
FOTOGRAFÍA: Joseph August (B/N)
REPARTO: Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Henry Hull, Florence Bates
USA, 1948, 86 min.
SINOPSIS: Un joven y desconocido pintor conoce a una niña en el parque que le habla de un tiempo pasado. Siguen los encuentros y en cada uno la niña crece en edad y en belleza. Surge el amor entre ellos.
OPINIÓN: Es una bella película romántica, eso sí, muy romántica, pero la historia trata los encuentros de una niña, y después hermosa e irreal joven, en una realidad presente. Ese juego de la historia permite al director jugar con el guión y de forma muy adecuada, pues el espectador sabe en todo momento como avanza la historia. La presencia de esa irrealidad permite la utilización, y muy bien por cierto, de buena fotografía en B/N. La dirección de actores está muy cuidada y muy especialmente la interpretación de la protagonista, Jennifer Jones , ¿o será que yo siento debilidad por esta mujer? No en vano el productor, es decir el que pone el dinero, estaba enamorado de ella. Como podéis ver en el reparto los actores secundarios están a gran altura y consiguen dar mucha fuerza a la historia, especialmente Ethel Barrymore. El director es un buen artesano de Hollywood y lo comprobaréis viendo su filmografía siendo esta, para mí, su mejor película. Buñuel era un ferviente admirador de esta película, así como mi cuñada Concha que me la recomendó, y es obligado que yo se lo agradezca pues la desconocía.

EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE

2010-09-20T00:08:00.002+02:00

Das testament des dr. Mabuse
DIRECTOR: Fritz Lang
GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou
REPARTO: Rudolf Klein-Rogge, Oskar Beregi, Theodor Loos, Karl Meixner, Otto Wernicke, Klaus Pohl, Wera Liessem, Gustav Diesl, Camilla Spira, Rudolf Schündler, Theo Lindgen, Oskar Hocker
ALEMANIA, 1933, 115 min.
SINOPSIS: Un comisario de policía inicia una investigación a partir de una llamada interrumpida de un antiguo colaborador y del asesinato, en plena calle, de un famoso médico. Por otra parte, un misterioso personaje está organizando a un grupo de delincuentes para conseguir el poder mundial. Un antiguo policía y ahora miembro de ese grupo delincuente servirá para unir todos los cabos de lo que está ocurriendo.
OPINIÓN: Entre 1910 y 1920 tuvieron mucho éxito en el cine las series presentadas en episodios en los cuales los protagonistas vivían unos acontecimientos que mantenían el interés del público hasta el nuevo episodio. La trama del Dr. Mabuse está concebida para ser presentada al público de esta manera, realizando Fritz Lang dos películas anteriores episódicas aunque aquí renuncia a ello para realizar una película que tuviese una unidad. Posteriormente, y dado el éxito de esta película, volvería tratar el tema del “mal” que quiere apoderarse del mundo y del “bien” que lo defiende. De alguna manera y para entenderlo con un ejemplo actual: James Bond.
En esta película cabe destacar la existencia de un guión presentado como un puzzle del que vamos descubriendo que nos faltan piezas, lo que permite avanzar en una acción dramática que no decae. La existencia de una organización criminal que quiere dominar el mundo, la multiplicación de peripecias y la utilización de trucos fantasmagóricos, hoy día pueriles, pueden hacer que el espectador subvalore esta película. Pero hay que situarse en la Alemania de los años 30, con un partido nazi que empieza a declarar su intención de dominar el mundo y con un dirigente, Hitler, al que se empezaba a tratar como un visionario y un loco. Estas referencias son patentes en la película, lo cual haría que se retrasara su exhibición y fuera causa sumada al exilio del Fritz Lang a Estados Unidos.

ORIGEN (Inception)

2010-09-15T19:58:00.002+02:00

Inception
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Dileep Rao, Lukas Haas, Pete Postlethwaite, Talulah Riley, Miranda Nolan
USA, 2010, 148min
SINOPSIS: Cobb es un especialista en sacar los secretos del subconsciente mientras la personas sueñan. Esta habilidad le ha llevado a huir de la justicia y alejarse de sus hijos. Para volver con ellos tiene que implantar una idea en el subconsciente de una persona
OPINIÓN: De momento es una de las películas que más opiniones ha producido, la mayoría muy favorables. Yo también opinaré muy a favor de ver la película aunque sólo sea para deducir un guión endiabladamente complicado del cual el director saca una película que engancha desde el principio y te tiene amarrado a la butaca, preguntándote qué es lo que está pasando. La acción no da mucho descanso pero como va acompañada de buenas imágenes y magníficos efectos yo no me sentí cansado. A todo ello contribuyen las interpretaciones de sus protagonistas, en especial Leonardo DiCaprio. Este actor, Brad Pitt, Johnny Depp y alguno más, me recuerdan a James Stewart, Gary Cooper y otros de los clásicos, que a pesar de llenar la pantalla con su presencia interpretaban de maravilla. Un pero: la banda sonora está sobrepasada y se superpone en bastantes momentos a los diálogos haciéndolos ininteligibles. Y en cuanto al paso del mundo real al de los sueños y viceversa, “Matrix” es mucho mejor. Por cierto el cartel de esta película tiene algún parecido con alguno de “Matrix” Fíjate en el cartel de “Mi película favorita (de momento)” arriba a la derecha.

JOHNNY COGIÓ SU FUSIL

2010-09-11T11:53:00.003+02:00

Johnny Got His Gun
DIRECTOR: Dalton Trumbo
GUIÓN: Dalton Trumbo (Novela: Dalton Trumbo)
REPARTO: Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland, Marsha Hunt, Diane Varsi, Kathy Fields, Charles McGraw
USA, 1971, 111 min.
SINOPSIS: Un joven herido en la guerra queda sin extremidades, sin cara y sin parte del cerebro. Los médicos le dan por vida sin ninguna sensibilidad, pero una enfermera descubrirá que en el hay indicios de vida consciente.
OPINIÓN: Aprovechando la oportunidad que de momento ofrece Internet he revisado esta película que me impactó la primera vez que la vi. Me sigue gustando, pero ya no me produce el mismo efecto anterior. Dalton Trumbo dirigió esta su única película sobre una novela propia, lo cual le facilitó mucho la labor porque tenía muy claro el efecto que quería conseguir en el espectador. En todo el mundo son momentos antibelicistas, sentimiento provocado en particular por la guerra de Vietnam y gracias a las imágenes que empezamos a ver en las televisiones. Lejos de esas imágenes de los campos de batalla, Trumbo quiere tocarnos la fibra antibelicista desde los sentimientos de los que sufren las consecuencias de la guerra y su idea de que sea una voz que nos habla desde lo que queda de un cuerpo joven, con el efecto de una sábana que lo cubre, es plenamente efectista. Destaca la interpretación de Timothy Bottoms en la que parece que es su primera película y que demostraría ser un buen actor en su siguiente intervención cinematográfica “La última película”, esta vez de manos de un buen director, Peter Bogdanovich. Otro punto de éxito para la película fue tratar el tema de la eutanasia, envuelto en un ambiente católico. Los diálogos del protagonista con Donald Sutherland en su papel de Jesucristo van absolutamente cargados contra la religión. Por último el plano último con un travelling de alejamiento sobre el cuerpo en la habitación del hospital y con esa frase que se repite machaconamente.

M.A.S.H.

2010-09-03T13:59:00.004+02:00

DIRECTOR: Robert Altman
GUIÓN: Ring Lardner Jr. (Novela: Richard Hooker)
REPARTO: Donald Sutherland, Elliott Gould, Tom Skerritt, Sally Kellerman, Robert Duvall, Jo Ann Pflug, Rene Auberjonois, Bud Cort, Fred Williamson, John Schuck, Gary Burghoff
USA, 1970, 116min
SINOPSIS: Narra las aventuras de un grupo de médicos y enfermeras y personal sanitario del ejército americano destinados a una unidad móvil durante la guerra en un país oriental. Todos se toman el trabajo muy en serio pero, en su tiempo libre, las bromas constantes y la ironía hacen más llevadera la situación.
OPINIÓN: Robert Altman recibió parte de su educación en una academia militar y posteriormente fue piloto de la Fuerzas Aéreas durante la segunda guerra mundial. Estos antecedentes se notan en la forma de tratar la vida en un hospital de campaña durante la que parece ser la guerra de Vietnam, aunque al principio se hace referencia a la de Corea. Fíjense en los helicópteros que aparecen y se darán cuenta que son mas modernos que los utilizados en Corea. Seguramente en esos momentos no era conveniente hacer referencia a la guerra del Vietnam y mucho menos tratarla con esa crítica feroz. Aunque si se mira bien veremos que entre tanto cachondeo hay unos profesionales bien cualificados y dispuestos a ayudar a todo el mundo, aunque sean enemigos. La factura cinematográfica es como la carta de presentación de lo que posteriormente realizará Altman, y para mi que no superará. La cámara se mueve continuamente pero formando parte de la acción y de tal forma que el espectador apenas lo va a notar. No hay un personaje principal sino varios y todos los secundarios, que son muchos, se mueven al mismo nivel de interpretación dirigidos por Altaman. Dicen que esto no le gustó a Donald Sutherland que por esos momentos iba de estrella reinona. Es una película para pasarlo muy bien, con un humor inteligente que sabe guiñarle al espectador. Se le acusó de metraje largo y tengo que reconocer que la primera vez que la vi me cansó un poco. Ahora, en mi casa, dominando yo la proyección os aseguro que se me hizo corta. Y es tan divertido repetir las escenas que acabas de ver y te han gustado como repetir si alguna vez no te has enterado bien del diálogo o no has cogido el gag. Recomendada, muy recomendada para los que les gusta el cine y tienen sentido del humor.

PISTOLEROS DE AGUA DULCE

2010-07-02T17:06:00.002+02:00

Monkey Business
DIRECTOR: Norman Z. McLeod
GUIÓN: SJ Perelman & Will B. Johnstone
MÚSICA: John Leipold
FOTOGRAFÍA: Arthur Todd (B&W)
REPARTO: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Thelma Todd, Ruth Hall, Harry Woods, Rockcliffe Fellowes, Tom Kennedy, Evelyn Pierce
USA, 1931, 77 min.
SINOPSIS: Los cuatro Hermanos Marx viajan de polizones en un barco donde también se encuentran dos gángsteres que rivalizan.
OPINIÓN: Por supuesto no es una obra maestra de los Hermanos Marx y seguramente muchos no la habrán visto, por lo que se hace altamente recomendable. Aquí están los mejores Marx, aunque con un guión no muy sólido. Cada gag va por su cuenta y aunque son buenos y originales les falta coherencia. Pero eso no quita para que te sigas riendo con las ocurrencias de Groucho y sus frases, verle bailar es siempre divertido; con las sempiternas persecuciones a las chicas por parte de Harpo, y la aparente cordura de Chico. Teniendo en cuenta que los Hermanos Marx han salido fundamentalmente de las variedades teatrales y dado los tiempos (1931) en que se hizo esta película tenemos que aceptar que su actuación sea eminentemente teatral pero la buena dirección de Norman Z. McLeod hará que no nos aburramos viendo esta disparatada comedia. ¡Claro! Si ustedes van a ver a los Hermanos Marx no esperarán un drama al clásico estilo de Hollywood.

FIGHTING ELEGY

2010-05-22T19:55:00.003+02:00

Kenka erejii
DIRECTOR: Seijun Suzuki
GUIÓN: Kaneto Shindô (Novela: Takashi Suzuki)
MÚSICA: Naozumi Yamamoto
FOTOGRAFÍA: Kenji Hagiwara (B&W)
REPARTO: Hideki Takahashi, Yusuke Kawazu, Junko Asano, Takeshi Katô, Isao Tamagawa, Kayo Matsuo, Mitsuo Kataoka, Hiroshi Midorigawa
JAPÓN, 1966, 86 min.
SINOPSIS: Un joven estudiante se aloja en la casa de una familia católica que tiene una hija de la que está enamorado. Sin embargo, se verá forzado a reprimir los impulsos de su emergente sexualidad involucrándose en peleas entre bandas de adolescentes agresivos.
OPINIÓN: Comedia absolutamente deliciosa desde que arranca la película. Utiliza el fino humor oriental que tan pocas veces hemos visto en el cine para relatarnos las contradicciones y las tribulaciones que tiene un muchacho cuando se va haciendo hombre y empiezan a gustarle las muchachas. Su pertenencia a una iglesia católica le complica más su despertar sexual siendo la escena del piano con los pantalones bajados uno de los chistes cinematográficos más finos que se pueden hacer sobre el sexo, sin necesidad de morbo. Con una planificación muy cuidada y un montaje arriesgado para su tiempo y del que después veríamos muestras en el cine francés, sobre todo Godard, va analizando todo lo que un joven va descubriendo cuando madura: los amigos, la religión, la educación, el ejército, la política y el amor. Todo ello lo irá descubriendo en el aprendizaje de lo que se entiende que deben saber hacer los hombres, luchar.

TAXI DRIVER

2010-05-02T22:07:00.002+02:00

Taxi Driver
USA, 1976, 113 min.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Paul Schrader
MÚSICA: Bernard Herrmann
REPARTO: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese
SINOPSIS: Para sobrellevar el insomnio crónico, Travis, un excombatiente del Vietnam, decide trabajar como taxista nocturno. Anota en su diario todas sus impresiones de lo que ve en su trabajo.
OPINIÓN: Nada más empezar, en el interrogatorio para conseguir un trabajo como taxista, ya vemos lo que será una de las mejores interpretaciones del cine.
A continuación hay que situar al personaje en su casa, en su intimidad y Scorsese hace que la cámara recorra una puerta, una pared, una cocina y la ropa dispersa por la habitación para que sepamos donde y como vive el protagonista. Ese movimiento de cámara nos lleva a de Niro que está escribiendo un diario y así sabemos que todo lo que va a ocurrir es desde el punto de vista subjetivo y según la visión del protagonista. Un traveling, con un primer plano del piloto de un coche amarillo nos llevara a conocer cual es el ambiente de su trabajo. “Todos los animales salen por la noche” escribe Travis y sabemos como piensa. Después sube al taxi una pareja que nos hace ver que tipo de gente recoge en su trabajo. Al finalizar su trabajo, Travis entra en un cine porno y el diálogo con la taquillera nos dará un concepto mas preciso del personaje. Después escribe “Lo que he necesitado toda mi vida es una meta”. Y todavía estamos en los diez primeros minutos de la película, incluidos los títulos. ¿Verdad que no es necesario que siga contándoles más sobre esta obra maestra del cine? Bueno, quizás sea necesario que les diga que hay una banda sonora que sólo se puede dar en New York y que al escucharla desde cualquier punto del mundo nos transportaremos a esa ciudad tan real como la basura y los humos que produce. El guión es de una complejidad inusitada para darnos a entender las contradicciones de este ángel-diablo, pero tan bien redactado que el espectador disfrutará descubriendo el por qué de lo que ocurre. Lo que suelo decir en estas ocasiones: una película que considera al espectador una persona inteligente.

SHUTTER ISLAND

2010-04-25T18:47:00.005+02:00

Shutter Island
USA, 2010, 138min.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Laeta Kalogridis (Novela: Dennis Lehane)
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Levine, Christopher Denham
SINOPSIS: Dos agentes judiciales son destinados a una remota isla para investigar la desaparición de una peligrosa asesina recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados. Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos.
OPINIÓN: Profundizar en la mente humana, aunque sea una autointrospección, es muy difícil pues tendemos a engañarnos a nosotros mismos y Scorsese quiere saber y hacernos ver que es lo que pasa por la mente de sus personajes.
Yo quisiera ser un director de cine que dispusiera de un extraordinario guión, algo fundamental; que dispusiera de mucho dinero para rodar con libertad y contratar a grandes actores. Con ello haría la película de mi vida. En este caso Mrtin Scorssese no ha hecho la película de su vida, todos sabemos que la película de su vida hubiera sido “El padrino II” que hubiera podido dirigir según era el deseo de Coppola (El Confidencial). No es una obra maestra pero es muy buena y aún así habrá críticos que la considerarán una obra pasable porque esperan que Scorsese se supere a si mismo.
Entre las composiciones musicales que utiliza están obras de Ligeti, de Penderecki, y de Mahler. En particular es destacable la música del principio, de la llegada a la isla, perfecta para plantear una situación dramática. Yo diría que me recuerda la música de “El resplandor” aunque en este caso no se trata de un réquiem.
Un centro penitenciario en una isla a 18 km. de la costa y sólo para pacientes enfermos mentales, una de los cuales logra escapar, es el mejor marco para desarrollar una historia de intriga.
La secuencia de su primera pesadilla en la isla es de una gran originalidad.
Yo les pediría que la vieran, que no leyeran mucho sobre esta película antes de verla y que, por supuesto, no cuenten el final.

2010-04-19T22:56:00.001+02:00

Le concert
FRANCIA, 2009, 119 min.
DIRECTOR: Radu Mihaileanu
GUIÓN: Radu Mihaileanu
REPARTO: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeriy Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Vasile Albinet, Laurent Bateau, Ramzy Bedia
SINOPSIS: En tiempos de Brézhnev el director de la orquesta del Bolchoï se niega a despedir a los músicos judíos. Por ello fue expulsado en pleno éxito de su carrera artística. Treinta años después como hombre de la limpieza reúne a todos los músicos de su última interpretación de Tchaikowski para actuar en el Teatro del Châtelet de París.
OPINIÓN: Puede haber gente que vaya al cine a llorar y otra a reír. Todos están en su derecho y habrá un montón de películas que les vayan a satisfacer, buenas películas por cierto. Pero después hay gente inteligente que va al cine a buscar arte, llorando o riendo, y tiene el mismo derecho a que haya directores que les tengan en cuenta. Y aquí nos encontramos con un director que realiza una comedia optimista y muy humana, con su toque folclórico y también crítico hacia el comunismo, y también el capitalismo, buscando revivir la armonía entre las personas. El director da a entender claramente que esa armonía la consigue una orquesta al interpretar una obra. Pero no quiere engañarnos y nos hace ver que cada uno de los componentes de la orquesta esconde secretos propósitos personales, con los que buscan revivir épocas pasadas de mayor esplendor en la música, en el partido o en los negocios.
Estamos ante una comedia disparatada que busca la risa en situaciones absurdas. Pero como en el teatro del absurdo se busca un efecto. Judíos que buscan negocios en cualquier situación, comunistas que buscan ser bien pagados, artistas que quieren comer, mafiosos con proyección personal, capitalistas que sacan dinero de cualquier situación, burgueses que buscan vivir en la mayor comodidad, etc.
Pero que el espectador no se deje engañar porque hay un drama en el fondo de toda esta historia que surge en su momento oportuno para llevarnos a un clímax emotivo perfectamente acompañado de música e imágenes que no quiere pero puede provocar más de una lágrima.
Todos los que sean aficionados a la música clásica y en especial a los compositores que tocan los sentimientos como Tchaikowski, Prokofiev o Mahler, disfrutarán de esta película si tienen sentido del humor.
Esta entrada está dedicada a LU que ha influido en que vaya a ver esta película que supongo pronto quitarán de la cartelera y no una española del Festival de Málaga que con su promoción acostumbrada estarán muchos días en las salas de cine.

13 FESTIVAL de CINE ESPAÑOL de MÁLAGA

2010-04-17T22:33:00.002+02:00

Hoy ha empezado en Málaga el 13 Festival de Cine Español y toda la información que sobre dicho festival se requiere la podéis encontrar aquí http://www.festivaldemalaga.com/2010/ Otra cosa son las opiniones que os puedan interesar sobre las películas que se presentan en sus diferentes secciones. Para esto habrá que esperar que el festival vaya discurriendo. Si buenamente puedo ver alguna película, os prometo que tendréis mi opinión aquí, pero como en casi todos los festivales, y sobre todo en los primeros, tuve que tragarme mucho bodrio, pues como que me he vuelto muy escéptico y prefiero no cabrearme con el cine español al que nuestra ... ministra González Sinde (scargas) subvenciona tan bien.

LA HEREDERA

2010-04-14T13:49:00.003+02:00

The Heiress
USA, 1949, 115 min
DIRECTOR William Wyler
GUIÓN Ruth Goetz & August Goetz (Novela: Henry James)
MÚSICA Aaron Copland
FOTOGRAFÍA Leo Tover (B&W)
REPARTO Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson, Miriam Hopkins, Vanessa Brown, Mona Freeman, Ray Collins
SINOPSIS: Una joven heredera poco agraciada físicamente es pretendida por un apuesto joven del cual el padre hará todo lo posible por separarla, pues está convencido que sólo la quiere por su dinero.
OPINIÓN: Desde que arranca la película William Wyler nos envuelve con una planificación soberbia y con unos movimientos de cámara que nos llevarán al ambiente donde se desarrolla el drama. Pocos directores son tan sutiles y tienen tal sentido artístico para contarnos una historia con imágenes.
A los que no conocen la película pero les gusta el cine, que serán pocos, yo les aconsejo que la vean de un tirón y entren en el melodrama y sin dejar pasar muchos días la vuelvan a ver para fijarse en todos los elementos que utiliza el director para contarnos la historia y en esos imperceptibles movimientos de cámara que nos situarán dichos elementos en el lugar apropiado del plano, no solo por lo estético, sino también por su sentido narrativo. Por ejemplo:Morris acaba de declararle su amor y se va dejando en el mueble de la entrada unos guantes blancos.
La interpretación de los cuatro personajes principales es de las mejores que ha tenido el cine y yo me pregunto si es debido a que son unos grandes actores o a que les ha dirigido la interpretación uno de los mejores directores que ha tenido el cine.

LAS TRES LUCES

2010-04-11T10:13:00.004+02:00

Der Müde Tod
Alemania, 1921, 105 min. Película muda.
DIRECTOR: Fritz Lang
REPARTO: Lil Dagover, Walter Janssen, Bernhard Goetzke, Rudolf Klein-Rogge, Hans Sternberg, Erich Pabst
SINOPSIS: Una muchacha busca desesperadamente a su novio y, al descubrir que es la Muerte quien se lo ha llevado, implora a ésta para que se lo devuelva. La Muerte le muestra tres velas (vidas) a punto de extinguirse y le explica que sólo si logra salvar alguna de ellas, podrá recuperarlo.
OPINIÓN: En una Europa convulsa como consecuencia de la Primera Guerra Mundial, el tema del destino insoslayable de los humanos tenía que calar en el espectador. Había que buscar justificación a tantas muertes. En forma de cuatro historias, tres de ellas dentro de la principal y cada una correspondiente a la luz de una vela o vida. La planificación osada para el principio del cine es lo que puede enganchar al cinéfilo, ya que esta película sólo se puede recomendar a los amantes del 7º arte y con ganas de conocer los orígenes del cine actual. En esta película podemos encontrar los primeros trucos que se van utilizando, pero no para que el espectador se sorprenda, sino perfectamente integrados en las historias.
P.D. De una forma inexplicable he estado ausente de este mundillo bloguero, por lo que pido disculpas por si alguno de los que tenían la paciencia de seguirme se haya molestado

PROMESAS DEL ESTE

2010-01-01T21:18:00.002+01:00

Eastern Promises
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Donald Sumpter
REINO UNIDO, 2007, 99 min.
SINOPSIS: Una comadrona que trabaja en un hospital de Londres asiste al parto de una adolescente que muere dando a luz, y decide buscar a la familia de la chica basándose en el diario que dejó escrito en ruso. En esta búsqueda entra en contacto con la mafia rusa.
OPINIÓN: Es en realidad un cuento de Navidad, pues además de desarrollarse la historia en estas fechas, los personajes se comportan como influenciados por ese espíritu, o todo lo contrario. Así, con un magnífico guión, el espectador se siente muy atrapado por toda la trama, deseando lo mejor, pero humanamente impotente para resolver ese drama. Pero ese cuento está muy enraizado en el ambiente mafioso y el director no escatima planos escabrosos que pueden herir la sensibilidad de ciertas personas. Hay un magnífico trabajo de Viggo Mortensen que recupera al buen actor que es en manos de un buen director. La ambientación está muy cuidada para recordarnos aquellos ambientes glamurosos en los que se movía la mafia americana que fue en su momento inspiración de tantos buenos guiones. El director, David Cronenberg, ha visto muchas de estas películas y cogiendo lo mejor de ellas realiza un trabajo que se sitúa entre los mejores thrillers que he visto.

FELICIDADES

2009-12-23T16:33:00.001+01:00

DOCE HOMBRES SIN PIEDAD

2009-12-19T17:44:00.003+01:00

Twelve Angry Men
DIRECTOR Sidney Lumet
GUIÓN Reginald Rose (Teatro: Reginald Rose)
MÚSICA Kenyon Hopkins
FOTOGRAFÍA Boris Kaufman (B&W)
REPARTO Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler, Robert Webber
USA, 1957, 95 min.
SINOPSIS: En un juicio, y tras escuchar todas las pruebas y testimonios, un jurado popular compuesto por una docena de personas tiene que decidir, por unanimidad, si absuelve o condena a muerte a un acusado. La vida de un hombre está en juego, en manos de 12 personas que también tienen su historia. En un principio once de ellos se inclinan por la condena, pero uno discrepa...
OPINIÓN: Ya se que mi amigo Father Caprio cambió su uva número doce de “Doce hombres sin piedad” a “Doce en casa”, película que también he visto sin pena ni gloria. Me lo he pasado bien, que ya son puntos. Pero para celebrar que todos los que nos leéis habéis llegado hasta el mes número doce del 2009, lo cual si lo pensáis bien es para celebrarlo, prefiero que os traguéis, perdón, veáis esta uva, perdón esta película que os dejará con un buen sabor de boca para iniciar el año 2010. Es un ejercicio académico de dirección y seguramente se habrá utilizado en muchas escuelas de cine como ejercicio de interpretación. Y yo añadiría que es un ejercicio democrático, pues nos enseña a no juzgar a la primera, sino a analizar los datos con que contamos para ver que no hay ninguno que pueda plantear la más mínima duda. En estos días que dos hombres han sido condenados “presuntamente” de violadores de dos niñas con las que convivían, para que después se demostrase su inocencia, nos viene bien ponernos en el papel de Henry Fonda (ya quisiéramos, ya).

Os deseo que el año que viene veáis cada mes una película y que os gusten, y si es en compañía de gente querida, tanto mejor.

LA CUADRILLA DE LOS ONCE

2009-11-21T18:27:00.003+01:00

Ocean's Eleven
DIRECTOR: Lewis Milestone
GUIÓN: Harry Brown & Charles Lederer
MÚSICA Nelson Riddle
FOTOGRAFÍA: William H. Daniels
REPARTO: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Angie Dickinson, Richard Conte, Cesar Romero, Akim Tamiroff, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henry Silva, Ilka Chase
USA, 1960, 127 min.
SINOPSIS: 11 amigos que se conocen desde la II Guerra Mundial planean robar 5 de los mayores casinos de Las Vegas en una sola noche.
OPINIÓN: Tenía guardada esta película para verla en el mes de noviembre y celebrar la undecima campanada con Father Caprio, pero así como en otros meses inmediatamente veía la película y en algunos casos, más de una vez, con “La cuadrilla de los once” me resistía. Algo me estaba diciendo que no era nada especial y que podía esperar. Una vez en materia, a mitad de la película me relajé y me dispuse a disfrutar de esos magníficos mafiosos que realmente dominaban los mejores chiringuitos de Las Vegas, y de su buen hacer, aquí correctamente y nada más. Angie Dickinson me ha gustado siempre, entre la mujer fatal que pudo ser y el ama de casa que podría ser. Aquí pasa un poco de puntillas entre tanto guaperas, tanto glamour y tantas luces. El final me gustó, me sorprendió y al final la uva entró suavemente, sin atragantarse, pero no es para repetirla el año que viene. El que quiera compararla con el remake de Steven Soderbergh (2001) que lo haga, yo no sabría.

CUBE

2009-11-10T23:34:00.001+01:00

Cube
DIRECTOR: Vincenzo Natali
GUIÓN: Vincenzo Natali, Andre Bijelic, Graeme Manson
MÚSICA: Mark Korren
FOTOGRAFÍA: Derek Rogers
REPARTO: Maurice Dean Wint, Nicole deBoer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrew Miller, Wayne Robson, Julian Richings
CANADA, 1997, 92 min.
SINOPSIS: 6 personas aparecen encerradas en un complejo laberinto de habitaciones cúbicas que esconde trampas mortales. No saben cómo llegaron allí, pero pronto descubren que deberán de resolver ciertos enigmas y sortear con habilidad todas las trampas si quieren sobrevivir.
OPINIÓN: Revisar esta película después de un tiempo y teniendo en cuenta que te gustó la primera vez, es un enorme riesgo porque conoces el final. Pero la trama te engancha de la misma forma y quizás más porque quieres entender las motivaciones de esos personajes. Se puede apreciar mucho mejor como con un presupuesto bajísimo se puede conseguir interesar al espectador y conducirle por el camino de la intriga con auténticos momentos de terror. Todo el espacio escénico es un cubo con seis salidas que conducen a otros tantos cubos exactamente iguales. Sólo cambia la luz, la música y lo que ocurre dentro de cada cubo. El paso de un cubo a otro está bien planteado para que vaya progresando la tensión dramática. Y lo que es mucho de agradecer es que al final no haya ninguna explicación para que el propio espectador, inteligente como se le considera, se haga sus propias reflexiones. Si alguien de los que leen esto, sea cinéfilo o no, no la ha visto, le aconsejo que la consiga como sea y la vea.

AGORA

2009-10-17T16:36:00.002+02:00

DIRECTOR: Alejandro Amenábar
GUIÓN: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
MÚSICA: Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA: Xavi Giménez
REPARTO: Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi, Richard Durden, Sami Samir, Manuel Cauchi, Homayoun Ershadi, Oshri Cohen
ESPAÑA, 2009, 126 min.
SINOPSIS: En el siglo IV, Alejandría, se había convertido en el último baluarte de un mundo en crisis, confuso y violento. En el año 391, las revueltas callejeras alcanzaron una de sus instituciones más legendarias: la biblioteca. Una brillante astrónoma , filósofa y atea, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo.
OPINIÓN: Es una película que ha estado precedida de un despliegue de información que ha creado grandes expectativas. Puestas así las cosas, Amenabar lo tenía difícil si pretendía agradar a gran número de público y hacer taquilla. La espectacularidad responde a lo que se nos había dicho, pero tanta filosofía, astronomía y religión pueden cansar y hacer que muchos espectadores se pierdan en la historia y después el boca a boca no funcione. A mi particularmente no me ha convencido pues esos barridos rápidos de la cámara para trasladarse de una escena a otra o en el mismo campo de un personaje a otro; los excesivos enfoques y desenfoques para los diálogos o como sustitutos de profundidad de campo; los planos cenitales del “peplum” corriendo a cámara rápida provocan en algún momento las risas, y por último la utilización del Google Earth con notas sobreimpresas que son realmente lo único con fundamento histórico que me hacen pensar en poca imaginación para agrandar una historia que se resume en la búsqueda científica, en este caso por parte de una mujer, y la intolerancia religiosa que tantas veces hemos visto tratada en el cine y de forma más profunda. Yo no les voy a decir que no la vean, pero tampoco les recomendaré que vayan a verla a no ser que sean mitómanos seguidores de Amenazar. Ah!, por cierto, las peleas son muchas y con bastante sangre, pero no consigue ser una película de acción. Y además he visto que las fichas técnicas de la película le dan un metraje de 126 minutos pero la versión que yo ví no llegaba a los 90.

LOS DIEZ MANDAMIENTOS

2009-10-14T22:41:00.004+02:00

The Ten Commandments
DIRECTOR: Cecil B. DeMille
GUIÓN: Aeneas MacKenzie, Jesse L. Lasky Jr., Jack Gariss, Fredric M. Frank
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Loyal Griggs
REPARTO: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne De Carlo, Debra Paget, John Derek, Cedric Hardwicke, Nina Foch, Martha Scott, Judith Anderson, Vincent Price
USA, 1956, 219 min.
SINÓPSIS: Narra la historia bíblica de Moisés, favorito de la familia del faraón, que decide renunciar a su vida de privilegios para conducir a su pueblo elegido hacia la libertad.
OPINIÓN: Esta es la película ejemplo del llamado género bíblico a la que sólo le dieron un oscar por los efectos especiales, seguramente por la famosa escena de Moisés abriéndose paso por el mar Rojo. Aunque el guión es fundamentalmente religioso y con datos bíblicos, está basado en las novelas “Pillar of FIRE” de J.H. Ingraham, “On Eagle's Wing” de A.E. Southon y “Prince of Egypt” deDorothy Clarke Wilson. Destaca el extraordinario poder pictórico de las imágenes debido a la excelente fotografía de Loyal Griggs. Algunos momentos son inolvidables seguramente debido al trabajo de los actores como el beso de Yul Brynner a Anne Baxter y ella gritándole: “Esto no es un anticipo de lo que vas a tener sino una prueba de aquello que nunca conseguirás”; o la escena en la que vemos a Charlton Heston torturado y atado con cadenas mientras Anne Baxter se abraza a su cuerpo herido y ensangrentado. La parte final de la película es apoteósica acumulando efectos especiales muy originales. Los movimientos de masas dejan atónito al espectador aún hoy, cuando podemos comparar con lo que se puede hacer con un ordenador. Una película que nunca deja mal sabor de boca y en la que siempre descubres algo nuevo, algo que debo agradecer a Father Caprio por aconsejarme su revisión como la décima uva cinematográfica del año.

EL SECRETO DE SUS OJOS

2009-10-01T23:47:00.003+02:00

DIRECTOR: Juan José Campanella
GUIÓN: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri
MÚSICA: Federico Jusid, Emilio Kauderer
FOTOGRAFÍA: Félix Monti
REPARTO: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento, Ricardo Cerone, David Di Nápoli
ARGENTINA, 2009, 126 min.
SINOPSIS: El secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires acaba de jubilarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Ello le lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo
OPINIÓN: Yo tengo para mi base de datos particular la clasificación de “Obra Maestra” como la máxima calificación para una película; a continuación “Muy Buena” (me suena que esto ya lo he dicho en algún post anterior), pues esta película la situaría entre ambos niveles,. Sois vosotros los que tenéis que situarla entre esa puntuación cuando la veáis. La película esta basada en una novela cuya trama te engancha al poco de haber empezado y debido a que el director ha urdido una tela de araña sutil para atrapar al espectador. Los hilos del guión son suaves y muy fuertes, de tal manera que tu puedes seguir la trama sin perderte. Esa tela de araña esta orientada de tal forma que sus brillos y sus vibraciones están elaborados con la fotografía y la música que atrae sin dudarlo al espectador. Si además, la araña se mueve por la interpretación magnífica de todos los intérpretes y en especial por un magnífico Ricardo Darin. Y en la sombra, esperando al espectador al que considera muy listo y por lo tanto no puede engañarlo simplemente, sino atraerlo, está el director que manejando cuidadosamente todos los hilos quiere atraparlo. Pero al final, la sorpresa, porque el viento, el agua u otro incidente externo, como un vaso o unas mondas de naranja, o una fotos puede hacer que el espectador se libere victorioso.
Especialmente los diálogos son muy inteligentes, tanto en la intriga, el romance o el humor. Y en la presentación de estos diálogos hay una cámara magnífica que se mueve alrededor de los personajes, sin hacerse la protagonista, pero puntuando todas las inflexiones y con una música que subraya cada situación.
La película tiene sus momentos cumbres como thriller en el asesinato o en los interrogatorios. Tiene sus momentos extraordinarios como comedia en la escena del bar donde se relacionan los nombres del asesino con el fútbol. Espectaculares son las imágenes que nos conducen al estadio donde posiblemente esté el asesino. Y tiene sus magníficos momentos románticos, para mi de los mejores en el universo cinematográfico, con la despedida en la estación, o en el reencuentro final.
Después de todo lo que he vivido en el universo fílmico con esta película solo me cabe el máximo desprecio por el festival de cine de San Sebastián que ha pasado por esta película sin enterarse; explicable porque en este maravilloso film no hay ningún elemento que pueda servir a sus objetivos políticos. Absolutamente de obligada visión.

Tengo que agradecerle a Carmen su especial recomendción para no perderme esta obra de arte.

MALDITOS BASTARDOS

2009-09-24T10:45:00.003+02:00

Inglourious Basterds
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Samuel L. Jackson, Enzo G. Castellari
USA, 2009, 153 min.
SINOPSIS: Durante la ocupación alemana de Francia en 1941, una muchacha judía consigue escapar de la masacre que ha sufrido su familia por parte del coronel nazi Hans Landa. Al mismo tiempo un grupo de soldados norteamericanos y de origen judío realizan el único objetivo de matar nazis. Todos acabaran juntos en una sala de cine.
OPINIÓN: Empezar una película con unos títulos de crédito en amarillo sobre fondo negro y nada más ya es un riesgo, acostumbrados como estamos a esas pequeñas obras de arte que son los títulos. Si además arrancas con la una música melodiosa y romanticona, como “Las hojas verdes del verano”, cuando el espectador va a ver una película bélica y con violencia te la estás jugando. Pero eso si, empieza la acción y se nos presenta la situación en una granja francesa mediante lo que podría ser un magnífico corto de la invasión nazi.
Está muy claro que el autor de una película es el director y si además es el guionista se convierte en responsable casi absoluto. Cuenta con magníficos actores y muy bien dirigidos pues a cada uno de ellos le saca lo que quiere como director evitando que sea protagonista la fama que precede al actor. En este punto Brad Pitt es un ejemplo pero Christoph Waltz es la sublimación de la interpretación. Sabe dar todos los registros que el director le pide según el momento de la historia. Historia que va narrada en un guión de esos que uno tiene que tener en su estantería de cine pues la sucesión de imágenes con las que nos cuenta Tarantino esta historia es para tesis doctorales en cine.
Tarantino siempre ha cuidado la música (no se porque en este caso me acordé de Almodóvar) y aquí la cuida y la mima consiguiendo una mezcla interesante de música americana y europea, hasta suena algo español, y sobre todo la utilización de la música sinfónica que no podía faltar tratándose de una película sobre el nazismo.
Además de tener un enorme interés por la dirección, guión, interpretación, música, etc. la película cautivará a los cinéfilos de toda la vida por la gran cantidad de referencias al cine, lo que hace de esta película un homenaje al cine desde el cine, y muy especialmente desde el cine americano.
Toda obra de autor debe tener su firma y Tarantino nos la deja al final de una forma sorprendente.
Estoy deseando bajármela… de las estanterías de algún videoclub para hacer un análisis mucho más detallado y disfrutarla sin las palomitas de al lado, ni los comentarios de las dos señoras que han entrado a ver a Brad Pitt.

NUEVE REINAS

2009-09-17T09:51:00.004+02:00

DIRECTOR: Fabián Bielinsky
GUIÓN: Fabián Bielinsky
MÚSICA: César Lerner
FOTOGRAFÍA: Marcelo Camorino
REPARTO: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Elsa Balaguer, Celia Juárez, Antonio Ugo, Alejandro Awada, Ignasi Abadal, Óscar Núñez, Leo Dyzen
ARGENTINA, 2000, 114 min.
SINOPSIS: Buenos Aires. Algo une a Juan y Marcos, dos estafadores de poca monta que casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para realizar una estafa que no puede fallar. (FILMAFFINITY)
OPINIÓN: Fabián Bielinsky (el director) se sentó un día frente a frente con Fabián Bielinsky (el guionista). Fabián, el guionista, empezó a contarle a Fabián, el director, la historia de dos tramposos que se conocen circunstancialmente y empiezan a trabajar juntos. A medida que Bielinsky, el director, va conociendo la historia y la va visualizando, Bielinsky, el guionista, le va embrollando con mentiras, o falsas verdades, que intrigan a Fabián, el director, que confía plenamente en Fabián, el guionista. Bielinsky, el director se decide a realizarla convenciendo previamente, no se sabe como, a una productora de la Patagonia que, como está lejos, no se acaba de enterar de lo que traman Fabián el director y Fabián el guionista. Pero para esos dos personajes se necesitan dos actores, algo canallas, y no muy conocidos, pero que sepan dar el pego (nunca mejor dicho), como Ricardo Darín y Gastón Pauls. Lo que no se esperaba el director es que estos dos actores, muy buenos por cierto, iban a entrar en el juego y engañar al director y al guionista llevando a los espectadores por donde les parecía mejor. Menos mal que Fabián había escrito un guión muy sólido, quiero decir muy bueno, buenísimo; y Fabián sabía dirigir con mano maestra todos los elementos de una película. Y así, entre los cuatro, sin “engañar” al espectador, consiguen una obra perfecta que no debéis perderos. Como habrá gente que la haya visto y gente que no la vaya a ver, os voy a contar el final: en esto que… bueno, lo dejo para otro día. Entre la gente que la ha visto está Father Caprio que, sabiendo que le ha gustado, me extraña que no la utilizara como novena uva del año 2009, en vez de “Nueve cartas a Berta”, sobre la que ya había dado mi opinión en esta habitación, el 15 de Noviembre de 2008.

CALLE 54

2009-09-05T21:17:00.002+02:00

DIRECTOR: Fernando Trueba
GUIÓN: Fernando Trueba
MÚSICA: Varios (Jazz)
FOTOGRAFÍA: José Luis López Linares
REPARTO: Documentary, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente y otros
ESPAÑA, 200, 105 min.
SINOPSIS: Documental sobre varias figuras del jazz latino, reunidos en la calle 54 de Nueva York.
OPINIÓN: Pocos son los directores de cine que amando la música no realicen alguna película de tema musical, es el caso de Martin Scorsese con “El último vals” o “No direction home” o introduzcan alguna composición de forma muy especial en sus películas, y este es el caso de Stanley Kubrick con “La naranja mecánica” y “2001: una odisea del espacio”. Fernando Trueba lleva a un estudio, uno tras otro, a una serie de intérpretes del jazz latino, entre los mejores del momento, y les hace interpretar una de sus mejores piezas. Siendo como es y así se declara, un amante de esta música, la conoce muy bien y por lo tanto moverá todos los elementos cinematográficos: cámaras, micros, luces, etc., para conseguir que el espectador se sienta como en uno de esos locales donde se escucha el jazz. Perfecta en lo visual de manera que puedes ver cada instrumento y como se toca, y perfecta en la música, pues recopila una serie de grandes intérpretes del jazz latino como Paquito D´Rivera, Eliane Elías, Chano Domínguez , Fort Apache Band, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, Chucho Valdés, Chico O´Farry, Bebo Valdés, Cachao, Patato y otros. Si te gusta el jazz esta película es imprescindible.

ANTICRISTO

2009-08-24T23:46:00.003+02:00

Antichrist
DIRECTOR: Lars von Trier
GUIÓN: Lars von Trier, Anders Thomas Jensen
MÚSICA: No tiene
FOTOGRAFÍA: Anthony Dod Mantle
REPARTO: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg
DINAMARCA, 2009, 104 min.
SINOPSIS: Un terapeuta quiere ayudar a su mujer a superar la muerte de su hijo y se trasladan a una cabaña, en medio de la naturaleza, donde ella paso el último verano con su hijo. Los acontecimientos y la naturaleza dificultarán la relación entre la pareja.
OPINIÓN: Empezaré por decir que el quiera ir a verla que vaya bajo su responsabilidad y si es un amante del CINE (con mayúsculas), ahora y en este momento, es imprescindible verla. Lo que opinen los críticos del futuro y si entrará o no en las listas de las 100 mejores películas dentro de 50 años a mi me tiene sin cuidado. Para que me sigan: a la media hora un vecino de butaca se levantó y se fue, no puedo saber cual era su motivo, y una pareja de mayores que tenía delante, se pasaron la película emitiendo expresiones cortas pero aguantaron. Creo que lo más impactante, a lo mejor no tanto por lo que se ha escrito, está al principio de la película y por eso es impactante, por estar al principio, en primer plano y en cámara lenta (ya saben lo que se ha escrito sobre el sexo explícito), pero yo me refiero a la muerte del niño. Es el prólogo de la película, y a partir de ahí se desarrolla un guión soberbio, duro, es cierto, pero digno de ser estudiado en una escuela de cine. Lars Von Traier nos contará ese guión con las imágenes que el considera adecuadas, como Goya pudo hacer con los horrores de la guerra o Picasso con lo ocurrido en Guernica. Yo he visto mucha más sangre innecesaria y más violencia gratuita en un montón de películas que me hicieron bajar la vista, cosa que aquí no me ha ocurrido. Quizás porque el director no te quiere engañar y te va preparando en los planos anteriores. Y todo el peso de la película (¿se dice así, verdad?) lo llevan sólo dos actores, dos magníficos actores que en un acto de profesionalidad absoluta le han dejado al director que haga con ellos lo que crea conveniente. Le han entregado su cuerpo, físico, totalmente, para que el director pueda mostrar toda su naturaleza humana al espectador. Y hablando de naturaleza, sería la tercera protagonista con los más significativos procesos naturales: viento, lluvia, granizo, etc.; y con procesos muy determinados, pero significativos, como la caída de las bellotas de los robles. En definitiva, algo más de hora y media que te mantiene activo el cuerpo (¿?), la vista y el oído, y lo que es más importante, el cerebro.

ENEMIGOS PÚBLICOS

2009-08-19T10:27:00.004+02:00

Public Enemies
DIRECTOR: Michael Mann
GUIÓN: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman (Libro: Bryan Burrough)
MÚSICA: Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA: Dante Spinotti
REPARTO: Johnny Depp, Christian Bale, Channing Tatum, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, James Russo, David Wenham, Christian Stolte, Jason Clarke, Branka Katic, Wesley Walker, Stephen Lang, Stephen Graham
USA, 2009, 140 min.
SINOPSIS: El agente del FBI Melvin Purvis se encarga de atrapar al más buscado ladrón de bancos, John Dillinger, que logra eludir a la policia continuamente. Dillinger encontrará el amor entre sus fechorías. OPINIÓN: Historia clásica de gánsters y policías con atracos y persecuciones entre las que aparece el amor y la violencia. Si sólo es eso, “déjà vu” y no te gastes el dinero en una entrada. Pero las películas tienen un responsable máximo, el director, que en este caso es Micheal Mann cuya capacidad de fabricar un buen producto ya está demostrada en películas anteriores. Aquí va a una historia archiconocida para poder desarrollar sus posibilidades artísticas que las tiene y las suma en lo que he visto. Casi todos conocen el final y por lo tanto el director recurre a llevar al espectador escena tras escena, despertando y satisfaciendo su interés, en pequeñas muestras de cine-arte que enlaza entre si de una forma magistral, sin un fundido, con una planificación rápida. Esta forma de realizar las transiciones a muchos les puede molestar pero en general crea una ansiedad que va acumulándose por ver que ocurre a continuación. El meollo de cada secuencia, el estudio de los personajes en cada situación, están realizados al modo mas puro del cine, al estilo clásico, bien actualizado todo con una cámara digital y de alta definición que “realmente” te sitúa en la acción; diríamos “como si estuvieras allí”. Por cierto, ¿puede haber una película de gánsters sin los disparos de unas metralletas? Pues aquí tampoco faltan y gracias a las técnicas modernas da la sensación que estás escondido detrás de un coche mientras se produce el tiroteo. Como veis cine clásico. En cuanto a los actores, si el director no pretende una profundización psicológica de los personajes, son los adecuados. Johnny Depp se aleja del histrionismo pero manteniendo un aire canallesco que sostiene al personaje, mientras Christian Bale interpreta con toda sobriedad a un agente del que será el FBI haciéndolo muy creíble. La película está llena de música y sonido, con muchas canciones, bastantes de Billie Holiday, pero si al director le gusta y no rompe el ritmo de los diálogos no seré yo el que se lo recrimine. No diré que es una obra maestra como he visto en la publicidad pero afirmo que me ha gustado.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

2009-08-16T16:08:00.004+02:00

The Curious Case of Benjamin Button
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Eric Roth (Historia: F. Scott Fitzgerald)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda
REPARTO Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning
USA, 2008, 167 min.
SINOPSIS: Historia de un hombre que nace viejo y su vida transcurre hacia la juventud y la niñez. Es la historia de un hombre que vive la vida al reves que los demás mortales pero que encuentra los amores como los demás humanos, madre, amantes, novia, mujer, hija pero sus circustancias le harán vivirlos de otra manera.

OPINIÓN: Traigo al blog mi opinión sobre esta película sobre la que he leido y escuchado mucho y a favor. Efectivamente, se merece los Oscars que le han dado y sin duda bien merecidos, pero sólo esos, porque del resto de la película podemos hablar como de un producto artesanal y con muchas ganas de vender ante un público poco exigente. No entiendo el embobamiento de muchos críticos con esta película. Le sobran dos horas y de hecho todo lo que se le ha añadido a un relato corto del que procede el guión, está de sobra. El espectador tiene que saber situarse en el tiempo de una historia lineal, contada hacia atrás, pero lineal. Y cuando ya se ha perdido para saber la edad del protagonista aparecen las primeras declaraciones. Desde luego bien elegido el protagonista, pues en la cuenta atrás, cuando se produzca el desenlace, no el epílogo, de la historia, tendremos a un guapo Brad Pitt que hara llorar a las almas sentimentales. De acuerdo, la historia es original, pero no lo es la forma de contarla y por lo tanto una película que pasará a “mi” historia del cine sin pena ni gloria. Espero el comentario de algún alma gemela o empezare a considerarme "rarito".

8 y 1/2 FELLINI

2009-08-12T21:07:00.002+02:00

Otto e mezzo (8½)
DIRECTOR: Federico Fellini
GUIÓN: Tullio Pinelli, Federico Fellini, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
MÚSICA: Nino Rota
FOTOGRAFÍA: Gianni di Venanzo
REPARTO: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como, Nino Rota
ITALIA, 1963, 140 min.
SINOPSIS: Guido, un director de cine que acaba de obtener un triunfo, se ve incapaz de empezar su próxima película. Mientras piensa que película hacer le vienen a la memoria hechos de su vida.
OPINIÓN: Desde el principio sabemos que se trata de los sueños y obsesiones de un cineasta italiano, el propio Fellini. Unos cuantos planos magníficamente fotografiados (la buena fotografía va a ser una baza fundamental en esta película) del protagonista nos llevaran a su infancia donde se formará su personalidad y donde se iniciarán todos sus traumas. La infancia de los italianos, como la de los españoles, de los años 50 se desarrolló entre curas, monjas y personas mayores con el fondo siempre de música clásica, o folclórica según los status.
Con esta película Fellini da el gran salto desde el neorrealismo a un cine moderno que marcará tendencias seguidas después por franceses, alemanes, españoles y sobre todo directores americanos de los que Woody Allen es el mejor ejemplo. Pero el original, esta película, siempre la recordaremos en cada uno de los buenos directores que la siguieron. Así mismo Fellini hace un reconocimiento continuo al buen cine americano, como podemos apreciar en los andares por el pasillo recordando a Charles Chaplin. Y que mejor forma de hacer una revisión de su vida que preparando una película, es una idea absolutamente original si tenemos en cuenta que no conoce el guión, que no sabe quienes serán los protagonistas.
Hitchcock siempre hace una pequeña aparición en sus películas, como su firma. Fellini parece haber adoptado como firma la aparición de una mujer entrada en carnes y grandes pechos que aquí será Saraghina, cuya secuencia en la playa con los muchachos es antológica, para después ser utilizada para remarcar su educación religiosa en la que no deja muy bien a los religiosos que se encargaron de ella. El juego de sábanas en el balneario para tapar el cuerpo desnudo del cardenal es otro de esos momentos cinematográficos. Y a partir de aquí la vida es un circo.
Teoría del cine con un ejemplo práctico en la pantalla para ilustrar la 8ª uva del año según Father Caprio.

LOS SIETE MAGNÍFICOS

2009-07-06T09:25:00.003+02:00

The Magnificent Seven
DIRECTOR: John Sturges
GUIÓN: William S. Roberts
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Charles Lang Jr.
REPARTO: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Brad Dexter, Whit Bissell, Vladimir Sokoloff
USA, 1960, 126 min.
SINOPSIS: Los habitantes de un pueblo mejicano en la frontera contratan a siete pistoleros para que los defiendan de una banda de forajidos que los asalta continuamente llevándose sus cosechas.
OPINIÓN: Revisar esta película me produce un estado de ánimo especial desde los títulos de crédito donde suena una de las mejores bandas sonoras que se han escrito para el cine. Como le pasa a Father Caprio, esta es una de mis películas favoritas porque es un manual básico del buen cine, basada en una obra maestra que es “Los Siete Samurais” de Kurosawa. Continuamos después con una preciosa panorámica de unos jinetes con música amenazante que se ve entrecortada por los quehaceres diarios de una gente humilde. Inmediatamente, con una magnífica economía de planos, sabemos quienes son los malos y porqué, para dar paso a una secuencia digna del mejor cine revolucionario de Eisenstein. Y a partir de aquí ya empieza el western de verdad con una magnífica entrada de Yul Brynner en una bien estructurada secuencia de un entierro para presentar a dos magníficos más, Steve MacQueen y Horst Bucholtz. A destacar el gesto de Steve cuando se apunta a defender a los indios mejicanos. Brad Dexter sera un magnífico a la sombra y así, desde las sombras hace su entrada.Una vez más la planificación es correcta para presentar a Charles Bronson cortando leña y después se añade una secuencia a lo puro western para presentar a James Coburn, con duelo incluido. Robert Vaughn será el siguiente, magnífico y elegante. Una presentación larga pero perfecta.
Y empieza la función, caballos, paisaje, acampada nocturna y siempre algún toque de humor. Lo más flojo de la película es la convivencia de los siete magníficos con el pueblo pues ya se sabe que al cine americano no se le ha dado bien tratar el folclore de otros pueblos. Y sepués auténtico cine del oeste. Eso si saben hacerlo bien los americanos y en particular John Sturges.
FELIZ 7º MES DEL AÑO

INCIDENTE EN OX-BOW

2009-07-03T13:55:00.003+02:00

The Ox-Bow Incident
DIRECTOR: William A. Wellman
GUIÓN: Lamar Trotti (Novela: Walter Van Tilburg Clark)
MÚSICA: Cyril Mockridge (AKA Cyril J. Mockridge)
FOTOGRAFÍA: Arthur Miller (B&W)
REPARTO: Henry Fonda, Dana Andrews, Mary Beth Hughes, Anthony Quinn, William Eythe, Henry Morgan, Jane Darwell, Frank Conroy
USA, 1943, 72min.
SINOPSIS: La noticia del asesinato de un ranchero por un grupo de cuatreros desata los deseos de linchamiento en los habitantes de un pueblo del Oeste. La ausencia del sheriff y la poca determinación del juez permiten que se monte un grupo para ir en busca de los cuatreros y lincharlos.

OPINIÓN:A veces uno se encuentra con esos libros que de pequeño le enseñaron a leer, y los cuadernos de caligrafía en los que aprendía a escribir, y así mismo, uno se encuentra con esas películas que son manuales básicos para ver cine. Esta película tiene todos los elementos que un cinéfilo busca: dirección, guión, actores, fotografía, música montaje, planificación, etc., y unidos de tal manera que la visión y sobretodo la revisión de esta maravilla te va recordando lo que sabes de cine. Yo se la recomendaría a todos los que quieren saber algo más de cine. Les diría que en las sucesivas revisiones analizaran cada uno de los elementos que conforman una película. Es un ejercicio de aprendizaje y además resulta de lo más interesante. Al final te das cuenta que estás analizando una obra de arte. Para una mejor información sobre esta película os recomiendo la entrada que sonre ella ha hecho Father Caprio.

REQUIEM POR UN SUEÑO

2009-06-21T13:18:00.003+02:00

Requiem for a Dream
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky, Hubert Selby Jr. (Novela: Hubert Selby Jr.)
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney
USA, 2000, 102 min.
SINOPSIS: Sara (Ellen Burstyn) inicia un plan de adelgazamiento para aparecer en un concurso televisivo. Si hijo y la novia viven en el mundo de la droga, en el cual esperan hacerse ricos.
OPINIÓN: Todos tienen sus adicciones, unas más destructivas que otras, pero para cada cual su adición representa su infierno del cual pretenden salir soñando.
La planificación es algo efectista pero dentro del drama que se representa ayuda muchas veces al espectador a situarse; por ejemplo angulaciones en picado sobre todo en interiores, fragmentación del plano en vertical u horizontal, transiciones hasta llegar casi al blanco, etc.
La utilización de cambio brusco de plano para indicar paso del tiempo surte efecto y el espectador no se pierde. Hasta se permite un toque de humor en el tiempo del desayuno con un huevo, una naranja y un café, y la manecilla del reloj girando. La interpretación de la madre en su obsesión por adelgazar es digna de un oscar aunque sólo se quedó en una nominación.
La música es otro logro de la película, subiendo y bajando, alegre y dramática, piano y fortísimo, hasta terminar en un silencio.
Y así va trascurriendo la película hasta que el director te lleva a un momento en que uno se olvida de todo lo que sabe de imagen y sonido y es arrastrado, como por un torbellino de secuencias, al final previsto. Pero ojo, no por sabido menos fuerte; a un final no apto para determinadas sensibilidades.Es una auténtica película de experimentación cinematográfica buscando la expresión artística, no en un tema de comedia o romántico, no, en un tema duro como es el mundo de las drogas.

EL SEXTO SENTIDO

2009-06-12T19:15:00.002+02:00

The Sixth Sense
DIRECTOR: M. Night Shyamalan
GUIÓN: M. Night Shyamalan
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto

REPARTO: Bruce Willis, Toni Collette, Haley Joel Osment, Olivia Williams, Trevor Morgan, Donnie Wahlberg, Peter Tambakis, Jeffrey Zubernis, Bruce Norris

USA, 1999, 107 min.

SINOPSIS: Un conocido psicólogo infantil está obsesionado con el fracaso que sufrió en el tratamiento de un joven paciente que acabó suicidandose. Ahora, un aterrorizado y confuso niño necesita tratamiento, y el psicólogo ve la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarle.

OPINIÓN: Un director inteligente, con un guión inteligente, hace una película para espectadores inteligentes, que de una manera inteligente recomendaba Father Caprio para el sexto mes del año y no para “El sexto día” de la que ya nos hemos olvidado.
Esta película la he visto varias veces y aunque me sé el final, que ruego nadie desvele,
al cuarto plano del niño (Haley Joel Osment) la película me engancha porque quiero saber, una vez más, que le pasa. Los diálogos provocados por el psicólogo infantil (Bruce Willis) nos van llevando por la compleja mente del niño, pero una serie de planos y de sonidos, eso es cine, nos irán ayudando a entender lo que pasa, o al menos a suponer que es lo que está pasando. Como en “Psicosis”, el director tiene todas las claves y sabe dosificarlas para que, aumentando el interés, llegues al final para sorprenderte siempre. La escena de la función del colegio con los padres grabando es sensacional. Un toque de humor en medio de tanta tensión.

EL SEXTO DÍA

2009-06-07T18:45:00.004+02:00

The 6th Day
DIRECTOR: Roger Spottiswoode
GUIÓN: Cormac Wiberley & Marianne Wibberley
MÚSICA: Trevor Rabin
FOTOGRAFÍA: Pierre Mignot
REPARTO: Arnold Schwarzenegger, Robert Duvall, Michael Rapaport, Tony Goldwyn, Michael Rooker, Sarah Wynter, Wendy Crewson, Rodney Rowland, Don McManus.
USA, 2000, 123 min.

SINOPSIS: Un experto piloto de helicópteros regresa a casa y se encuentra un clon que está viviendo con su familia. Se descubre el error de la replica y entonces la organización intenta destruir al auténtico piloto.

OPINIÓN: Mira que la ciencia ficción da para desarrollar un guión con un poco de imaginación, pero en este caso la nulidad es absoluta. Iba de sobresalto en sobresalto viendo resucitar a muertos sin ton ni son. En algunos momentos ya no sabía si se estaba utilizando un flash-back o si la historia había dado un salto adelante en el tiempo. Por otra parte las imágenes son artificiosas a más no poder, sin una pizca de arte y aplicadas sin medida.
Y por si faltaba algo tenemos a Arnold Schwarzenegger y su clon por la pantalla, porque eso no puede llamarse interpretar. ¿No querías caldo? Pues toma dos Schwarzenegger. Menos mal que se ha dedicado a la política y ha dejado de manchar las pantallas de los cines.
Los premios Razzie de 2001 nominaron a esta película como la peor, también al peor actor (Arnold en ambos casos), peor pareja (Arnold con su clon), y peor actor secundario (el clon de Arnold). El dinero no puede suplir a la imaginación como dice Father Caprio.

Yo os propongo que para quitaros la mala uva de este sexto mes del año pongáis en marcha "El sexto sentido" que tenéis los lectores de este blog.

BIENVENIDO AL PARAISO

2009-05-27T19:00:00.004+02:00

Come See the Paradise

DIRECTOR: Alan Parker
GUIÓN: Alan Paker
MÚSICA: Randy Edelman
FOTOGRAFÍA: Michael Seresin

REPARTO: Dennis Quaid, Tamlyn Tomita, Sab Shimono, Shizuko Hoshi, Stan Egi, Ronald Yamamoto

USA, 1990, 133 min.
SINOPSIS: Un americano de origen irlandés y sindicalista se enamora de una americana hija de emigrantes japoneses. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial toda la familia sufrirá las consecuencias de sus orígenes étnicos en un campo de concentración en los Estados Unidos.

OPINIÓN: Los americanos inundaron el mundo de películas antijaponesas después de la Segunda Guerra Mundial y, más tarde, cuando ya se permiten ser críticos con su propio país, muy pocas veces tocaron el tema de los japoneses residentes en Estados Unidos durante y después del ataque de Pearl Harbour. En esta ocasión Alan Parker prepara un guión sobre el tema y lo dirige con abundancia de medios. Pero si bien a muchos espectadores les llamara la atención la existencia de campos de concentración en Estados Unidos para recluir a los japoneses y a los hijos de estos que nacidos en los Estados Unidos son americanos también, Alan Parker se perderá en una historia de amor demasiado melodramática entre un americano sindicalista y una hija de japoneses nacida en los Estados Unidos de tal forma que al espectador le parecerá que solo lo está pasando mal esta familia, donde el problema parece que se sobrelleva y encima, según el guionista, por ese buen carácter de los japoneses. Las caras orientales suelen dar bien en pantalla y especialmente las chicas jóvenes y los niños, pero aquí será la madre japonesa que en un papel secundario se lleva gran parte del interés. En resumen, película para ver y despertar al tema del sufrimiento de los japoneses en Estados Unidos, pero casi seguro que el espectador será arrastrado a la historia de amor.

CINCO SEMANAS EN GLOBO

2009-05-22T14:30:00.004+02:00

Five Weeks in a Balloon

DIRECTOR Irwin Allen
GUIÓN Irwin Allen, Charles Bennett, Albert Gail (Novela: Jules Verne)
MÚSICA Paul Sawtell
FOTOGRAFÍA Winton C. Hoch
REPARTO Red Buttons, Fabian, Barbara Eden, Cedric Hardwicke, Peter Lorre, Billy Gilbert, Richard Haydn, Barbara Luna, Herbert Marshall, Reginald Owen, Jonathan Gilmore

USA, 1962, 97 min.

SINOPSIS: Un explorador, su asistente, un reportero entrometido ), un profesor despistado y una maestra emprenden una expedición en globo a través de Africa. En su viaje tendrán que enfrentarse a situaciones difíciles y sobre todo tendrán que acostumbrarse a convivir unos con otros.

OPINION: Se basa en la primera novela de Julio Verne que ya ofrece aventuras e intriga en un contexto geográfico, histórico y científico bien planteado. Irwin Allen se especializó como director de aventuras fantásticas y aquí dispone de una buena novela y de unos reconocidos actores a los que coloca en situaciones disparatadas de las que salen airosos por su buen hacer, porque la dirección brilla por su ausencia, y a la media hora de película ya estás deseando levantarte para hacer otra cosa. Para ser sincero es una de las peores películas que se pueden ver y si sale a colación en este blog es porque estamos en Mayo que es el 5º mes del año y porque le soy fiel al magnifico comentarista de cine Father Carpio.

FUGA DE CEREBROS

2009-05-10T12:59:00.002+02:00

DIRECTOR: Fernando González Molina
GUIÓN: Curro Velázquez, Álex Pina
MÚSICA: Manel Santisteban
FOTOGRAFÍA: Sergio Delgado

REPARTO Mario Casas, Amaia Salamanca, Alberto Amarilla, Canco Rodríguez, Gorka Lasaosa, Pablo Penedo, Antonio Resines, Loles León, Alex Angulo, Mariano Peña, David Fernández, José Luis Gil, Fernando Guillén, Carlos Santos, Asunción Balaguer, Blanca Suárez, Joan Dalmau

ESPAÑA, 2009, 104 min,

SINOPSIS: Emilio es un chico tímido y normalito en los estudios de bachillerato. Desde pequeño que esta enamorado de Natalia, la chica guapa y lista de la clase. A ella le conceden una beca para estudiar Medicina en Oxford a donde irán a parar Emilio y sus coleguillas marginados del Instituto tras falsificar expedientes y becas.

OPINION: Estar en Málaga y no dar una opinión sobre el cine español me parece inadecuado. La película elegida es la que obtuvo el premio del publico con lo cual si comparáis con lo que a mi me ha parecido esta claro que soy yo el desfasado. O a lo mejor no, si tenemos en cuenta que los cines en el festival se han llenado de mucha gente que tiene el cine como lugar donde pasar un rato divertido antes de salir a tomar unas copas. También es posible que se hayan regalado muchas entradas y hay que corresponder. O que las televisiones en este país tienen mucho poder e influyen fácilmente en los cerebros de los estudiantes de bachillerato que dan el salto a la universidad, y no a una cualquiera, no, a la de Oxford.
¡Ah! Que tengo que hablar de la película. Pues el cuerpazo de la protagonista llena la pantalla, y la espalda del protagonista. Y otro llena una garrafa de semen. Y no veas como se lo hace con una muerta, o eso es lo que parece. ¿No os vale esto como opinión?
Pues de esto y muchas mas cosas como estas que van ocurriendo así como así esta formada la película. ¿Vosotros consideráis que una película se basa en un guión? Puede ser, pero esta no. Con que aparezcan los famosillos de televisión ya es bastante.
Nada, a reírte de lo que quieras que para eso es una comedia (¿o un bodrio?) Mira, yo no quiero que digan que no apoyo el cine español, así que tu verás.La foto es mía, de un punto publicitario que pusieron en la Plaza de la Marina de esta preciosa ciudad que se merece mejor cine, y podéis utilizarla si os place.

12FMCE

2009-04-26T12:25:00.007+02:00

En Málaga se ha celebrado el 12º Festival de Cine Español con un gran éxito de público y participación ciudadana. Los centros neurálgicos de la ciudad, como calle Larios, Calle Alcazabilla, Plaza de la Constitución y Plaza de la Merced han ofrecido distintas actividades y a diferentes horas del día para darle a cualquier malagueño o visitante la oportunidad de participar.

Que duda cabe que la presencia de Antonio Banderas, malagueño que ejerce siempre que puede, ha despertado el mayor interés. Aprovechando su estancia en el festival se han vuelto a proyectar en pantalla grande películas dirigidas por él como “Locos en Alabama” y “El camino de los ingleses”, así como alguna de sus mejores interpretaciones como “¡Atame!” Acompañando estas proyecciones se ha montado una exposición de fotos del rodaje de “El camino de los Ingleses”

La entrada con alfombra roja al Teatro Cervantes ha sido ocupada ante cualquier evento por mucha gente que conocía o intentaba reconocer a los participantes en este Festival.
Un gran acierto de este año ha sido alfombrar la calle Larios con ampliaciones de guiones conocidos o de storyboards de películas de gran éxito como “El laberinto del fauno” “Los otros”, “Princesas” y más.

Se ha entregado el premio Málaga SUR a Juan Diego por su larga trayectoria en la interpretación y se han proyectado algunos de sus mejores trabajos como es ”DragónRapide”, “Casual day” o “Vete de mi”

A Nacho Vigalondo, que no se avergüenza de haber sido guionista para Gran Hermano, el programa de televisión, se le ha concedido el premio Eloy de la Iglesia como realizador.

Al productor Enrique Cerezo se le ha entregado el premio Retrospectiva y se han proyectado algunas de sus películas “Juana la Loca”, “Las 13 rosas”, “El perro del hortelano” y otras.

El premio Ricardo Franco ha sido para el maquillador Gregorio Ros que ha maquillado a Victoria Abril, Penélope Cruz, Paz Vega, María Barranco y al mismísimo Miguel Bosé en “Tacones Lejanos”

Muy interesante ha sido la idea de proyectar los éxitos del 2008, como “Camino”, “Fuera de carta” y otros por 1 euro la entrada.

En la plaza de la Merced se instaló una carpa para audiciones musicales, siendo un gran éxito la intervención de Coque Malla.

Una sección de proyecciones de películas que difícilmente entran en los circuitos comerciales se puede ver en ZONZINE y en TERRITORIO LATINOAMERICANO.

El jurado está formado por Sergio Cabrera, José Manuel Cervino, Lucía Etxebarría, Juan Madrid, Ruben Ochandiano, Emma Suárez y como presidente Alex de la Iglesia.

Y por supuesto las películas a concurso “La vergüenza”, “Fuga de cerebros”, “Bullying”, “Agallas”, “Un buen hombre”, “La escarcha”, “Amores locos”, “7 minutos”, “Trash”, “El niño pez”, “Tres días con la familia”, “7 pasos y medio”, “Pagafantas” y “Flores negras”.

Y la Biznaga de oro a la mejor película ha sido para “LA VERGÜENZA” de David Planell

HABITACIÓN PARA CUATRO

2009-04-19T17:35:00.004+02:00

Amici Miei
DIRECTOR: Mario Monicelli
GUIÓN: Tullio Pinelli, Pietro Germi, Piero De Bernardi, Leo Benvenuti
MÚSICA: Carlo Rustichelli
FOTOGRAFÍA: Luigi Kuveiller

REPARTO: Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin, Adolfo Celi, Duilio del Prete, Renzo Montagnani, Paolo Stoppa, Milena Vukotic

ITALIA, 1975, 109 min.

SINOPSIS: Cuatro amigos cincuentones, que llevan toda la vida juntos, se pasan el día organizando bromas pesadas para burlarse de los demás. Son el periodista Giorgio Perozzi, perseguido por la reprobación de su hijo y su ex-mujer; el arquitecto Rambaldo Melandri, sensible a los asuntos del corazón; el barman Guido Necchi, propietario del bar en el que el grupo se reúne cada noche; y el conde Mascetti, un noble venido a menos, obligado a vivir en un sótano, que no tiene ningún escrúpulo a la hora de alejar a su mujer y su hija para disfrutar de una relación clandestina con su joven amante, Titti. Todos ellos, conscientes de que les ayuda a seguir unidos, recurren a las bromas para prolongar su juventud y defenderse de las penas de la vida.

OPINIÓN: He visto esta película por disciplina, porque me pienso ver cada mes del año las películas que Father Carpio recomienda en su entrada de fin de año. Y me alegro de ser tan disciplinado, al menos por haber descubierto esta joya de la comedia italiana y por ende de la comedia española ( no así de la anglosajona). Me he reído, me he reído a gusto delante del televisor, y a carcajada limpia, como corresponde a una buena comedia. Estoy seguro que de tener el guión cinematográfico en mis manos (Pietro Germi y Leo Benvenuti no defraudan), lo leería de un tirón y con una sonrisa de tonto que de vez en cuando estalla en una carcajada. Es decir, la película está basada en un guión extraordinario. ¡Ah! Pero los actores son eso, actores de verdad, con lo que estás viendo la película y no te metes en el personaje, no; te mueres de risa con lo que cada actor interpreta. En serio (si es que se puede hablar de esta película en serio) buscadla como sea y sentaos a disfrutar del buen cine, de la buena interpretación, de la fotografía, del sonido, de la música. En definitiva, de una buena película.

SLUMDOG MILLIONAIRE

2009-04-11T17:32:00.003+02:00

DIRECTOR: Danny Boyle, Loveleen Tandan
GUIÓN: Simon Beaufoy (Novela: Vikas Swarup)
MÚSICA: A.R. Rahman
FOTOGRAFÍA: Anthony Dod Mantle
REPARTO: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake
PREMIOS: 2009: 8 Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, banda sonora, canción (Jai Ho), sonido. 2009: BAFTA: Mejor película, director, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje, sonido. 2009: Globos de Oro: Mejor película drama, director, guión, banda sonora. 10 Nominaciones al Oscar. 2008: National Board of Review: Mejor película del año. 2008: Toronto: Mejor película

REINO UNIDO, 2008, 120 min.

SINOPSIS: Jamal Malik es un jóven de Bombay que está concursando en la versión hindú del programa "¿Quién quiere ser millonario?". A punto de conseguir los 20 millones de rupias como premio mayor del concurso, el joven es interrogado por la policía, bajo la sospecha de estar haciendo trampas.

OPINIÓN: Al principio esta película despertó un gran interés en mi, pero a raíz del éxito en los Oscar empecé a poner reparos. ¡Qué duda cabe que no me creo lo de los Oscar! Las circunstancias, un día de Semana Santa por la mañana sin procesiones que ver, me llevaron al cine (es que me gusta) y elegí esta película. Pues miren ustedes, bien, muy bien por los directores (Danny Boyle, Loveleen Tandan), muy bien por el guionista (Simon Beaufoy) puesto que han conseguido que durante dos horas me olvidara que estaba sentado en una butaca de cine, y muy bien por los intérpretes del papel principal (niño, adolescente y joven) que sin ser estrellas han conseguido hacerme creíble un lacrimoso personaje. En este caso los premios van a conseguir que más gente vaya al cine a ver esta película, y creo que por una razón u otra se van a enganchar y repetirán (Dios quiera que la próxima no sea una de esas películas españolas subvencionadas). A los que de verdad os gusta el cine podéis encontrar aquí una planificación moderna (planos cortos y de ángulo extraño) secuenciados al ritmo de una música original (nada de boleros) para contarnos un concurso (a cualquier aficionado al cine le engancha un concurso en plan intelectual por si sale una pregunta de la historia del cine que sí se sabe) y aprovechando el concurso (desde el principio se sabe que ha ganado mucho dinero) se nos van abriendo puertas y ventanas de la mano del protagonista para presentarnos una dura realidad de la pobreza (una vez más, si, como el holocausto nazi y para que nadie lo olvide). Y aquí viene el gran éxito del guión: ¿qué ocurre con la última pregunta? Esto es el cine y como se hizo con “Psicosis” deberían poner un cartel para que nadie cuente el final. Por cierto, quédense a ver los títulos de la película (esto es la India).

EL TEMIBLE BURLÓN

2009-04-04T18:45:00.004+02:00

The Crimson Pirate
DIRECTOR: Robert Siodmak
GUIÓN: Roland Kibbee
MÚSICA: William Alwyn
FOTOGRAFÍA: Otto Heller
REPARTO: Burt Lancaster, Eva Bartok, Nick Cravat, Torin Thatcher, James Hayter, Noel Purcell, Margot Grahame
REINO UNIDO, 1952, 104min.
SINOPSIS: Unos piratas capturan un barco con armas y pólvora, y el capitán traza un plan para sacar mucho dinero de ese botín.
OPINIÓN: Tiene todos los elementos de una película de aventuras pero con un gran sentido del humor que la hace una comedia a veces desternillante. Si nos reímos con Groucho Marx de sus situaciones absurdas e increíbles ¿por qué no nos vamos a reír con un Burt Lancaster que se atreve a disfrazarse de doncella para una ofrenda de flores. ¿Qué los saltos son increíbles? Ya, si, pero que bien realizados están cinematográficamente. ¿Qué con un mamporro caen cuatro o más enemigos? Vaya, para eso sale el protagonista con toda su musculatura al aire. ¿Qué es un pirata bueno? No tanto, pero el amor todo lo puede. Y así podría estar comentando esta película mientras me sonrío recordando lo que acabo de ver. Me ha dejado muy buen sabor y esa sonrisita de cómplice con el director que sin duda ha sabido enganchar al espectador a este continuo despropósito. Eso si, donde dice barcos ingleses veréis la bandera de Castilla, León y Aragón y las damas de la corte inglesa van con sus peinetas y mantillas. Claro que en el 1952 los españoles no podíamos ser tan tontos como lo eran los ingleses. Buen sentido del humor. En definitiva, que hay que verla y después… ya se verá.

EL ÚLTIMO VALS

2009-03-29T20:11:00.002+02:00

The Last Waltz
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese
MÚSICA: The Band
FOTOGRAFÍA: Michael Chapman, Laszlo Kovacs, Vilmos Zsigmond, Hiro Narita & Varios
REPARTO: The Band, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond, Eric Clapton, Paul Butterfield, Rick Danko, Dr. John, Lawrence Ferlinghetti, Emmylou Harris, Ronnie Hawkins
1978, USA, 117 min.

SINOPSIS: Documental sobre el mundo del rock rodado en 1976 en el que Scorsese filma los conciertos de despedida de "The Band", por los que pasaron míticas figuras del rock de las últimas décadas.

OPINIÓN: Si alguien sabe utilizar una imagen ara transmitir un sentimiento, ese es Martin Scorsese. Si además se siente a gusto con lo que está haciendo y la gente con la que está trabajando, es el espectador el que percibirá sentimientos y sensaciones y por lo tanto saldrá ganando.
No hay imágenes manipuladas o compuestas sino imágenes de lo que ocurre en el escenario, quizás la utilización de alguna luz roja, alguna luz cenital o angulada, un reflejo, un flou (iluminación con la que se obtiene un halo de imprecisión que aparte de embellecer la imagen le da un carácter mágico). Elementos que un buen director sabe utilizar para llenar la pantalla sin que estos tomen protagonismo. Porque la protagonista es en realidad la música que hace The Band y algunos amigos que han querido acompañarles en el último concierto.
“LA MÚSICA TE LLEVA” Llega un momento en que te das cuenta que no se está realizando una película para ganar dinero sino que se está realizando un documental para que la gente de ahora y del futuro conozca como fue el último recital de The Band y quienes eran sus componentes.
Tenía ganas de volver a ver esta película y se que dentro de poco la volveré a ver porque es una de esas obras maestras en la que los sentidos y los sentimientos siempre encuentran una imagen, un sonido, un movimiento de cámara, una luz , un gesto, algo que te hace sentir humano entre los humanos y al mismo tiempo el más importante de los humanos por estar disfrutando de todo lo que ves y oyes.Antológico es el plano del sombrero con el que se presenta Bob Dylan. Sin embargo será ese mismo sombrero el que hará de la actuación de Bob Dylan la menos interesante en imagen, pues el blanco no permite un juego de luces y contraluces.

EL VIAJE DE CHIHIRO

2009-03-21T22:37:00.003+01:00

Sen to Chihiro no kamikakushi
DIRECTOR: Hayao Miyazaki
GUIÓN: Hayao Miyazaki
MÚSICA: Joe Hisaishi

SINOPSIS: Chihiro atraviesa un tunel que le lleva a un espacio mágico donde no hay humanos sino dioses. Allí, Chihiro actuará con la nobleza y el mejor sentimiento del ser humano.

OPINIÓN: En un mundo aislado del mundo real, en un mundo mágico, se desarrolla todo este inmenso guión que, convertido en película de dos horas, se hace corto pues eres transportado al mundo de la imaginación.
Y sin necesidad de violencia pues cada momento en el que la violencia puede aparecer, la magia del amor aparece para devolvernos a ese mundo increíble de amor en el que vive Chihiro.
Para un espectador inteligente se necesita un director que considere que está realizando un trabajo para espectadores inteligentes y no simples butacas que pasan el tiempo. Viendo esta película la mente no para de pensar, de urdir, de imaginar, de desear. El cerebro se activa con dos de los sentidos humanos: la vista y el oído.
La animación se basa fundamentalmente en el dibujo y no en la técnica del diseño informático, lo cual da a esta película un valor de obra maestra. Descubrir que lo importante es lo que tu hagas por los demás sin detenerte ni esperar que los demás lo hagan por ti a través de unos dibujos ya es difícil.

Si algún profesor de lengua tiene interés de realizar una actividad con sus alumnos utilizando esta película, le aconsejo las indicaciones de Virginia Melendo.

ATRACO A LAS TRES

2009-03-15T18:29:00.006+01:00

DIRECTOR: José María Forqué
GUIÓN: Pedro Masó, Vicente Coello, Rafael J. Salvia
MÚSICA: Adolfo Waitzman
FOTOGRAFÍA: Alejandro Ulloa

REPARTO: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio

ESPAÑA, 1962, 92 min.

SINOPSIS: Un grupo de trabajadores de un banco se proponen realizar un atraco en la sucursal donde trabajan y en el momento que haya más dinero.

OPINIÓN: Esta es una película que se debe ver para conocer el cine español que se hace en los años 60. El régimen franquista no permite mucha crítica social y hay que ser muy listo para colarle a la censura un buen guión. En este caso Masó no es nada listo y por eso tenemos un guión de lo más ramplón que se puede escribir. Un poco más de riesgo y se podría haber llegado al absurdo y desde ahí darle al espectador la oportunidad de imaginar como se vivía en España siguiendo las peripecias de unos empleados de banca. El director, José Mª Forqué, sabe hacer las cosas bien y en este caso las hace para atraer al gran público y hacer taquilla. La productora no es tonta y conociendo el guión y el director contrata a unos actores. Ahí está el acierto, los actores de esta película , todos y cada uno de ellos, dan una lección magistral de cómo se interpreta comedia en el cine. Si la vuelvo a ver será para seguir cada uno de los movimientos de esos actores que en un erial de ideas supieron engrandecer el cine español.Marzo es el mes número “tres” del año.

PERSÉPOLIS

2009-03-08T11:16:00.002+01:00

DIRECTOR: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
GUIÓN: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud (Cómic: Marjane Satrapi)
MÚSICA: Olivier Bernet

FOTOGRAFÍA: Animation (B&W)
FRANCIA, 2007, 95 min.

SINOPSIS: Narra la historia de una niña iraní que observa el fundamentalismo islámico desde que estalla en su país hasta nuestros días. En el principio de esa revolución fundamentalista la protagonista todavía tiene tiempo de conocer la libertad de los paises democráticos. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde podrá conocer otras culturas.

OPINIÓN: Con toda la originalidad y el arte del cómic se ha construido una película sobre un soberbio guión que de haberse interpretado por personas podría haber sido algo melodramático. Aquí, el dibujo en blanco y negro le da mucha fuerza a la historia que en sí misma está en blanco y negro, pues es blanca en cuanto a unos personajes que quieren vivir y lo hacen con alegría frente a lo negro de la realidad que les acompaña en su país y allá donde vayan. Que bien trazado está el dibujo de la protagonista que puede expresar todo lo que vive y siente hasta el punto que el espectador llega a olvidarse en algunos momentos de que quien le transmite esos sentimientos no es más que un dibujo.

DOS HOMBRES Y UN DESTINO

2009-03-01T08:03:00.005+01:00

Butch Cassidy and the Sundance Kid

DIRECTOR: George Roy Hill
GUIÓN: William Goldman
MÚSICA: Burt Bacharach
FOTOGRAFÍA; Conrad Hall

REPARTO: Robert Redford, Paul Newman, Katharine Ross, Strother Martin, Jeff Corey, Henry Jones, Cloris Leachman, Ted Cassidy, Kenneth Mars
USA, 1969, 112 min.

SINOPSIS: Butch Cassidy, Sundance Kid y una guapa maestra llamada Etta Place formen un trío de románticos forajidos que, robando por oficio y divirtiéndose con el riesgo, tienen siempre a la ley pisándoles los talones, lo que provoca que salgan de Estados Unidos viajando hasta Bolivia.

OPINIÓN: Revisar antiguas películas que en su momento nos han gustado produce a veces decepciones. Pero no es este el caso, porque un guión bien estructurado y dos grandes actores en pantalla con una magnífica, archiconocida y pegadiza banda sonora, siempre gustan. Hoy ya hemos visto todo tipo de western, pero cuando se estrenó la película era una novedad presentar a dos forajidos de modo que cayeran simpáticos al público y de tal modo que el espectador llega a ponerse en contra del orden establecido. En realidad la película es un road-movie, sin coches pero con caballos, sin carreteras pero con senderos, ríos y montañas. Destacaría la secuencia en plan videoclip con la bicicleta y la canción de Bacharach, "Raindrops Keep Falling on my Head” como fondo.
P.D. Siguiendo las doce uvas para 2009 de Father-Caprio, valga esta película por enero (UN destino) y febrero (DOS hombres).

LA CLASE

2009-02-13T16:26:00.003+01:00

Entre les murs
DIRECTOR: Laurent Cantet
GUIÓN: François Bégaudeau, Robin Campillo, Laurent Cantet (Libro: François Bégaudeau)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Pierre Milon

REPARTO: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounaïdja Rachedi, Juliette Demaille
FRANCIA, 2008, 128 min.

SINOPSIS: François es un joven profesor de lengua en un instituto difícil. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años y no duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales. François -autor de la novela en la que se basa la película- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor.

OPINION: Y vuelvo al guión, que basado en una novela, cuenta, no los problemas, si no sólo algunos problemas que se plantean hoy en la enseñanza en los centros con abundancia de alumnos procedentes de diferentes etnias. Faltan otros, entre ellos agresiones al profesor tanto por parte de alumnos como de padres, acoso escolar, drogas, robos y otros que en ese tipo de centros son tan frecuentes como “no tengo ganas de leer”, “me tiene manía” y el tuteo al profesor. De acuerdo que el tema tratado, y como se trata, da mucho que pensar y de que hablar, pero eso fuera de la sala de cine.
Mientras estoy sentado en mi butaca de cine yo lo que veo (es cine) son una serie de planos que pasan rápidos para darme muchos puntos de vista de un aula en sí pequeña, y esa serie de planos están bien hilvanados para que yo vaya entendiendo pequeñas historias que en ese espacio se desarrollan. Hasta aquí, admitámoslo, bien.
¿Pero que pasa con esa cámara que se mueve de manera compulsiva nada más empezar la clase? Parece que está llevada a mano, amateur, documental. Pero no, está perfectamente colocada sobre sus mecanismos y angulada según una iluminación global que para nada corresponde a un documental. Los movimientos son caóticos en las reuniones de profesores, como el ojo alguien que mira rápidamente a distintas partes. Pero el ojo no trabaja así. El ojo tiene una especie de estabilizador de imagen y un sistema nervioso de relación de imágenes que aunque vayamos corriendo no vemos las cosas a saltos, y si estamos en una reunión y pasamos la mirada de un punto a otro no vemos una imagen borrosa entre ambos puntos. En definitiva, la cámara en mano necesita llevarse con cuidado y después en el montaje corregir los errores.
Y en el cine, en la historia del cine, han existido grandes intérpretes (no hace falta que cite a nadie). ¿Por qué tengo que aceptar como buena interpretación la de unos intérpretes no profesionales? Lo hacen, interpretan mejor que en una función de colegio, y basta. En definitiva, una buena película no es un buen tema y ya está, es otra cosa.

ARREBATO

2009-02-01T12:55:00.002+01:00

DIRECTOR: Iván Zulueta
GUIÓN: Iván Zulueta
MÚSICA: Grupo Negativo
FOTOGRAFÍA: Ángel Luis Fernández
REPARTO: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Will More, Luis Ciges, Antonio Gasset

ESPAÑA, 1979, 110min.

SINOPSIS: José Sirgado, director de cine de treinta y pocos años ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sea que sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Al volver a casa un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro, un adulto-infante al que José apenas prestó atención en su día, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José. La extraña trayectoria vital de Pedro, reflejada en la película y la grabación que integra el paquete, arrastrarán a José a un punto límite.

OPINIÓN: En mi opinión es la película española que más se ha arriesgado en el llamado séptimo arte. Toda ella es un compendio de experimentación que pretende hacer cine del cine. Su mismo título nos avisa de ese arrebato que se producirá si llegas al final de la cinta. Antes de continuar hablando de la película me gustaría avisar que es sólo para aquellos que nos gusta el cine como manifestación artística total y no solo como un entretenimiento.
La primera vez que la vi me dejo atrapado y dispuesto a verla otra vez. Pero es que después, cada vez que la veo me engancha de tal modo, como una droga, que al terminar quiero verla inmediatamente otra vez. Por disciplina dejo pasar el tiempo y cada vez que la reviso es lo mismo, me arrebata.
Que nadie espere una disertación magistral sobre el cine, las drogas, la marginación o algunos de los temas que aquí se tocan. No es eso, es una sucesión de imágenes en movimiento (definición de cine) que produce en mi la misma sensación que tengo ante un cuadro del Greco o al escuchar una sinfonía de Mahler o cuando veo la arquitectura de Calatrava en la Ciutat de les Arts i de les Ciències.
Ya se, no estoy haciendo un análisis científico y objetivo de la película pero es que no puedo. “El cine me quiere” y ante esta manifestación de amor solo cabe la entrega total.

MY BLUEBERRY NIGHTS

2009-01-26T14:17:00.003+01:00

DIRECTOR: Wong Kar-Wai
GUIÓN: Wong Kar-Wai, Lawrence Block (Historia: Wong Kar-Wai)
MÚSICA: Ry Cooder
FOTOGRAFÍA: Darius Khondji
REPARTO: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow, Frankie Faison, Chad R. Davis
HONG KONG, 2007, 90 min.
SINOPSIS: Una joven (Norah Jones) tras sufrir un desengaño amoroso comienza una busqueda de sí misma y del amor verdadero. En el camino, enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66, la joven se encontrará con una serie de enigmáticos personajes en los cuales ella descubrira lo que busca.
CRÍTICA: Yo opino que es una interesante propuesta para plantear el cine desde una novedad de imagen que sin ser de ruptura, ofrece novedades en la iluminación, los enfoques y el movimiento mismo. Aquí radica todo el trabajo, un buen trabajo, del director que está más pendiente de estos elementos y de la música que de la interpretación de los actores. En todo caso, dispone de un buen elenco que fácilmente se deja dirigir.
Como el argumento es muy simple y el guión más simple todavía, si tenéis interés en verla, debéis sentaros en vuestra butaca o sillón preferido, relajados. Si lleváis gafas os aconsejo limpiarlas bien porque algunas luces os pueden parecer extrañas y dejaos llevar por las imágenes, quiero decir, disfrutar de la fotografía que además va acompañada de buena música que os sonará más de una vez.
Los personajes no están planteados en toda su profundidad, ni creo que el director lo pretenda, ya que la película es una sucesión de tres sketchs incluidos en la historia de amor base del argumento, y no hay tiempo para conocer bien a cada uno.
Destacaría una frase que pronuncia la protagonista (Norah Jones) cuando definitivamente descubre que ha perdido el amor de su novio: “¿Cómo te despides de alguien sin el cual no puedes vivir?”

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

2009-01-22T17:45:00.004+01:00

SINGIN' IN THE RAIN
DIRECTOR: Stanley Donen, Gene Kelly
GUIÓN: Betty Comden, Adolph Green
MÚSICA: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
FOTOGRAFÍA: Harold Rosson & John Alton

REPARTO: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley

USA, 1952, 102 min

SINOPSIS: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

CRÍTICA: Si los años 40 fueron para el cine americano una época dorada fue gracias a esta película, entre otras, como “Ciudadano Kane” (1941) o “El tesoro de Sierra Madre” (1948). La película no es considerada por todos los críticos de manera igual. Es más, algunos la desprecian y en la España de los años 60 y 70, la España de los cineclubs, esta película era considerada un melodrama para porteras (las de entonces) sin ningún valor cinematográfico. Pero el público en general ya la había convertido en mito y mas de cuatro progres la seguían por los cines de reestreno.
En su origen la misma película sigue el camino menos indicado para ser un éxito. Se basa en una obra de teatro que no se estrenó. El guión no está terminado cuando empieza el rodaje. El director y los actores no son los que en principio han sido considerados. Pensada como una película de propaganda en tiempo de guerra, se convierte en uno de los melodramas cumbre de la historia del cine. Posiblemente, cuando las mentes preclaras de la productora estaban buscando un éxito ni siquiera sabían que una simple canción llevaría esa película al éxito por todos los tiempos.
Dentro de los musicales clásicos y de siempre esta película es referencial.
Si nos fijamos en el argumento, se trata de pasar desde el cine mudo al cine sonoro, con lo que nosotros podremos comparar como se hacían antes las películas y como se hacían después, incluido hasta el doblaje de actores. Podemos fijarnos en la interpretación de los actores para las películas mudas y como cambia para el sonoro. Si en un principio importa el gesto después la interpretación se hace más complicada o podríamos decir más completa.La película puede servirnos también para entender como han evolucionado las técnicas de grabación de una película pues aunque en la película solo vemos el paso al sonoro, nosotros podemos pensar en toda la evolución que se ha producido hasta nuestros días.

UNA FAMILIA CON CLASE

2009-01-08T07:55:00.002+01:00

EASY VIRTUE
DIRECTOR: Stephan Elliott
GUIÓN: Stephan Elliott, Sheridan Jobbins (Obra: Noel Coward)
MÚSICA: Marius De Vries
FOTOGRAFÍA Martin Kenzie
REPARTO: Jessica Biel, Colin Firth, Kristin Scott Thomas, Ben Barnes, Kimberley Nixon, Katherine Parkinson, Charlotte Riley, Jim McManus, Kris Marshall, Christian Brassington, Pip Torrens, Georgie Glen, Laurence Richardson
GB, 2008, 97min.

SINOPSIS: Un joven inglés de buena familia que se enamora perdidamente de una americana sexy y superficial, con la que se casa impulsivamente. Cuando la pareja regresa a Inglaterra para instalarse en casa del joven, la madre de éste la toma instantáneamente con su joven nuera. Se establece una continua batalla entre las dos por mantener su posición.

CRÍTICA: En mi opinión una película con tango tiene el 50% del éxito asegurado. Si además le añadimos unos magníficos diálogos, propios de un gran dramaturgo como era Noel Coward, alcanzamos el 75% del éxito. Algún puntito más por una estupenda banda sonora que a veces destaca demasiado. Y one point por la interpretación de Colin Firth como padre de la familia. El resto se deja ver como corresponde a una buena obra de teatro bien pasada al cine y bien ambientada en los paisajes y en los decorados de la casa. Como negativo que nunca haría de esta película una de mis 100 favoritas. ¿Qué cuales son esas 100 favoritas? Por favor no me atosiguéis. Ahora se trata de hablar de esta agradable comedia. Decía que como negativo tenemos una cámara que para contrarrestar la densidad de los diálogos se mueve demasiado y busca ángulos imposibles, especialmente en las habitaciones. Esos maravillosos diálogos llenos de ironía hubieran estado mejor en otros intérpretes más habituados al cine o quizás con otro director. Ya se que Kristin Scott Thomas es una gran actriz, díganmelo a mi que tengo “El paciente inglés” como obra maestra o casi, pero aquí adolece de falta de sentido del humor para interpretar a esa mamá manipuladora. En definitiva, se pasa un rato muy agradable y uno se queda tan contento de coincidir con esa imagen de la hipocresía inglesa.

AMAZING GRACE

2008-12-28T11:47:00.003+01:00

DIRECTOR: Michael Apted
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: David Arnold
FOTOGRAFÍA: Remi Adefarasin
REPARTO: Ioan Gruffudd, Albert Finney, Michael Gambon, Romola Garai, Benedict Cumberbatch, Rufus Sewell, Ciaran Hinds, Youssou N'Dour, Toby Jones
G.B., 2006, 111min.

SINOPSIS: Basada en la vida del británico William Wilberforce que desde su puesto e influencia como parlamentario luchó por abolir la esclavitud en Inglaterra.

CRÍTICA: Quiero agradecer a una serie de amigos blogueros que pueda ver buen cine, que por una razón u otra, se me escapó en la gran pantalla. Hoy le toca a Un mundo de cine que abrió mi interés en un documentadísimo post (como todos los suyos) sobre esta película. Si alguien se decide a verla, le recomiendo que vea antes el post de ese blog y no se preocupe por si revela algo del contenido de la película porque le va a interesar igualmente.
No tiene una planificación espectacular. Su música no es envolvente sino intimista.
El discurso es muy denso pero acompañado de una magnífica interpretación de todos los actores. Buena fotografía perfectamente iluminada tanto en exteriores como en interiores. Una realización perfecta que no hará de esta película una obra maestra, pero si conseguirá calar en el espíritu de todos los que la vean.Por mi parte he tenido un problema porque no dominó el inglés: el diálogo denso hace que te concentres en los subtítulos y en el primer visionado puedes perderte el hilo de las imágenes. De todas formas creo que hay que verla en su versión original subtitulada.

FELIZ NAVIDAD

2008-12-21T17:57:00.004+01:00

Joyeux Noël

DIRECTOR: Christian Carion
GUIÓN: Christian Carion
MÚSICA: Philippe Rombi
FOTOGRAFÍA: Walther van den Ende
REPARTO: Diane Kruger, Benno Fürmann, Daniel Brühl, Guillaume Canet, Gary Lewis, Dany Boon, Rolando Villazón, Alex Ferns, Lucas Belvaux, Steven Robertson, Frank Witter, Bernard Le Coq, Ian Richardson, Thomas Schmauser

FRANCIA, 2005, 115 min.
SINOPSIS: Está basada en un hecho real ocurrido durante una Navidad de la Primera Guerra Mundial cuando los soldados alemanes, franceses y escoceses superando sus diferencias se ponen a jugar al fútbol.

CRÍTICA: Esta es una película del tipo que no buscamos en estas fechas, pues basada en un hecho real de la Primera Guerra Mundial. Seguro que si vamos al cine buscaremos algo entretenido, con lo que llamamos “espíritu navideño”. Esta película, si tiene algo, es ese espíritu navideño, pero el real, el que debería ser y no las ñoñerías que nos quieren hacer felices y en realidad nos engañan. Quizás un poco menos de duración hubiera sido mejor para quedarnos con lo que se pretende. Muy buena música que subraya todo el “espíritu” de la película.

Candidata al Oscar 2005 a la mejor película de habla no inglesa.

Y SIRVA EL CARTEL PARA DESEAROS FELIZ NAVIDAD A TODOS LOS QUE PASÁIS POR ESTE BLOG.

EL GRECO

2008-12-18T19:59:00.003+01:00

DIRECTOR: Yannis Smaragdis
GUIÓN: Jackie Pavlenko (Libro: Dimitris Siatopoulos)
MÚSICA: Vangelis
FOTOGRAFÍA: Aris Stavrou
REPARTO: Nick Ashdon, Juan Diego Botto, Laia Marull, Lakis Lazopoulos, Roger Coma
Grecia, 2007, 119 min.

SINOPSIS: Tras huir de la ocupación veneciana de Creta, el pintor Domenicos Theotocopoulos llega a Venecia y comienza a trabajar en el estudio de Tiziano. Allí es descubierto por el Niño de Guevara, un sacerdote español con el que mantiene una extraña relación. Años después, el pintor se traslada a Madrid y se enamora de la hija de un noble militar, con la que tiene un hijo. La pareja se establece en Toledo donde triunfa como artista. El profundo rechazo que el artista siente por la Inquisición pronto le llevará a enfrentarse abiertamente con el Gran Inquisidor.

CRÍTICA: La presunta vida del Greco contada en un flashback a partir de su muerte de este pintor. He dicho “contada” y tomen esto literalmente, pues es una voz en off la que va narrando lo que el director no ha sabido narrar con imágenes. El guión no es exactamente una biografía sino que pretende hacer una introspección en el sentir del pintor y con eso, lo que podría haber sido una película sobre El Greco, se convierte en una película para decirnos lo que pensaba El Greco. Pero es la voz en off la que dice, no las imágenes, por lo tanto un tostonazo.
La película habrá costado un dinero y si hubiera sido un buen director con ese mismo dinero podría haber realizado algo interesante. Pero se necesita un artista para contar la vida de un artista y está claro que este director no lo es.
En cuanto al guión, ni existe y para lo poco que hay uno se ríe, en particular en la referencia a Cervantes.Eso si, la Inquisición sigue siendo tan mala como siempre y hasta la película se atreve a insinuar (a mi me lo parece) la homosexualidad del Gran Inquisidor. Pero no se preocupen porque no les revelo nada, ya que está tan mal contado que igual el inquisidor buscaba un amigo, un hermano o al mismo Dios Creador. Mala con avaricia.

EL BUSCAVIDAS

2008-12-12T18:26:00.003+01:00

The Hustler
DIRECTOR Robert Rossen
GUIÓN Robert Rossen & Sidney Carroll (Novela: Walter Tevis)
MÚSICA Kenyon Hopkins
FOTOGRAFÍA Eugene Shuftan (B&W)

REPARTO Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton, Vincent Gardenia, Michael Constantine

USA, 1961, 135 min.

SINOPSIS: Un granuja que se gana la vida desplumando a los incautos que le retan en la mesa del billar buscará ganar la partida de su vida frente al mejor jugador.

CRÍTICA: La secuencia de arranque, como un prologo antes de los títulos, nos introduce en ese submundo de las apuestas y las mafias del juego. Y en esa secuencia se engañará al espectador durante unos minutos porque consideraremos a Eddie como un personaje que por casualidad juega una partida de billar. Después de este engaño, el espectador entra en el personaje y quiere saber más de él. Descubrimos a continuación que su meta es desafiar al "Gordo de Minnesota", considerado el mejor jugador de billar y que no ha perdido una partida en los últimos diez años. El enfrentamiento de ambos constituye la primera parte de la película y la partida nos servirá para conocer a fondo a Eddie. La secuencia de la partida es una auténtica muestra magistral de hacer cine. Cada plano, el montaje, la iluminación, el sonido, especialmente el choque de las bolas, la vestimenta de los que allí se encuentran y en especial del "Gordo de Minnesota"; y la interpretación de ambos contrincantes, hace que ese enfrentamiento sobre la mesa se convierta en un enfrentamiento de formas de ser. Lo que allí ocurre nos marcará el mundo en el que se desarrolla la película, el juego, el alcohol y el dinero. A partir de aquí la película discurre como el seguimiento de Eddie y nos encontraremos en distintas situaciones que están resueltas, cada una de ellas, como modelos de hacer cine.
Cada uno de los elementos formales de esta película tiene el tiempo y la intensidad necesaria para que el espectador, como el lector de una gran obra literaria, penetre en la historia y en el sentir de los personajes. Es decir, la narración fílmica en esta película alcanza la cota de obra maestra. El encadenado de secuencias extraordinariamente planificadas para durar lo justo y la relación entre estas secuencias son un claro ejemplo de narración cinematográfica.
Eddie “Relámpago” Nelson, un granuja y un perdedor, se convierte en un personaje memorable del cine gracias a la interpretación de Paul Newman. Así mismo personajes que son secundarios, como el Gordo de Minnesota o Sarah, consiguen un máximo nivel de interpretación gracias a Jackie Gleason o Piper Laurie. Hay que hacer notar que habiendo grandes interpretaciones en esta película no se le dio ningún oscar por estos conceptos.
La banda sonora es de Kenyon Hopkins que utiliza un ritmo de jazz ideal para la película, por los espacios en los que se desarrolla y por los sentimientos de los personajes.
La fotografía en blanco y negro de Eugene Schufftan que maneja a la perfección las luces y las sombras define perfectamente a los personajes y al ambiente sombrío de los garitos donde redesarrolla la mayor parte de la acción. Se le concedió un merecidísimo Oscar. El otro Oscar lo consiguió la dirección artística.
Al final, con esta película, ocurre lo mismo que con el postre favorito, quieres repetir.

BELLA

2008-12-08T20:52:00.003+01:00

DIRECTOR: Alejandro Monteverde
GUIÓN: Alejandro Monteverde, Patrick Million
MÚSICA: Stephan Altman
FOTOGRAFÍA: Andrew Cadelago REPARTO: Eduardo Verastegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry

USA, 2006, 91 min.
SINOPSIS: José es un futbolista que pudo haber jugado con el Real Madrid y Nina es una hermosa camarera soltera que acaba de descubrir que está embaraza. Los dos trabajan en un restaurante. A raiz del despido de Nina sus vidas se unirán.

CRÍTICA: Tengo que empezar diciendo que fui a ver esta película guiado solamente por el cartel donde se leían varios premios y la consideración de mejor película del año. Y es después de salir del cine cuando he leído algunas críticas. Y vale, todo depende del color del cristal con que se mira, por lo tanto no hay crítico independiente y menos en el periódico El País.
Pues yo he visto una película sobre la buena gente. Gente que ama la vida y a los que viven con ellos. Gente que quiere ser feliz y hacer felices a los demás. El drama de estas vidas, y es el de esta película, consiste en que algunos hechos de los que quisiéramos no haber cometido nunca, no nos van a dejar ser felices plenamente. Pero el tema es que pueden hacer felices a otros. Bueno vean la película y después me comentarán.
El guión es bueno y sin ser lineal se entiende perfectamente porque el director se ha volcado en sacar un producto bueno. Ha contado además con actores que siendo guapos y simpáticos no pretenden llenar la pantalla con sus caras sino con sus sentimientos. Muy bueno es el plano secuencia en el que la protagonista cuanta sus relaciones con su madre. Y José, guapo actor como podemos ver al principio de la película, no tiene ninguna duda en dejarse una barba que oculta su rostro dejando sólo los ojos para transmitir emociones. Y estos dos actores están arropados por un conjunto de secundarios desconocidos pero muy buenos, los padres, los hermanos, los cocineros, los amigos, todos, consiguen un alegre coro que acompaña al drama que están viviendo los dos protagonistas.
Los movimientos de cámara son los necesarios para no convertirse en protagonista, pero se sabe que está y lo marca en los cambios de secuencia o en los momentos de desdramatización.El espectador estará a favor o en contra del aborto, pero el director ha estado muy a favor de hacer una buena película.

GIULIETTA DE LOS ESPÍRITUS

2008-12-03T11:44:00.003+01:00

Giulietta degli spiriti
DIRECTOR: Federico Fellini
GUIÓN: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
MÚSICA: Nino Rota
FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo

REPARTO: Giulietta Masina, Sandra Milo, Valentina Cortese, Lou Gilbert, Mario Pisu, José Luis de Vilallonga, Caterina Boratto, Frederick Ledebur

ITALIA, 1965, 148 min.

SINOPSIS: Giulietta sospecha que su marido le es infiel y acude a reuniones espiritistas buscando un consejo.

CRÍTICA: Esta película es una de las más representativas de este director y de visión obligada para aquel cinéfilo que quiera conocer a Fellini y su mundo particular. Si en “Fellini, ocho y medio” nos introduce en sus recuerdos, su infancia, su juventud y en su madurez; aquí nos lleva a su particular visión de las mujeres y en concreto a su mujer de siempre: a Giulietta Masina. Pero si todos estos aspectos biográficos ya son interesantes de por sí, la forma de narrar marca un punto importantísimo, no solo en su cinematografía, sino en el cine en general.
El argumento es simple, una mujer descubre que su marido le engaña, pero es en los pensamientos y sueños de esa mujer donde se centra la película y eso le permite a Fellini una plasticidad asombrosa utilizando decorados, vestuarios y colores. En el caso concreto del color es curioso como utiliza el blanco para describir el mundo real de Giulietta y el rojo cuando se trata de los espíritus de la protagonista.
La cámara toma protagonismo, como el psicólogo que ayuda a Giulietta a descubrirse a sí misma, desde el mismo arranque de la película y la va siguiendo, rodeando, mirándola en definitiva muy lentamente, con mucho mimo. A ella responde Giulietta Masina con una soberbia interpretación. Fellini utiliza una gran cantidad de estímulos sensoriales para que el espectador se sitúe en su mundo delirante. No dudará de utilizar una vez más el mundo del circo.
La música de Nino Rota, que tantas veces ha compuesto para este director, va acompañando y en algún momento protagonizando la acción.En definitiva, película de visón obligada. Aunque yo aconsejaría a aquellos que quieran conocer a Fellini que empiecen por una de sus películas del neorrealismo, por ejemplo “La Strada” pasando después al mundo surrealista ce “Ocho y medio” continuando después con “Giulietta…” para terminar en la que es para mi su obra maestra, “Amarcord”.

TODOS LOS NIÑOS INVISIBLES

2008-11-27T11:34:00.003+01:00

All the invisible children

DIRECTORES: Mehdi Charef, Emir Kusturica, Spike Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Ridley Scott, Stefano Veneruso, John Woo

GUIONES: Mehdi Charef, Diego De Silva, Stribor Kusturica, Cinqué Lee, Joie Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Stefano Veneruso

MÚSICA: Terence Blanchard, Ramin Djawadi, Hai Lin
FOTOGRAFÍA: Philippe Brelot, Cliff Charles, Toca Seabra, Vittorio Storaro, Gu Chang Wey, Jim Whitaker, Nianping Zeng

REPARTO: Maria Grazia Cucinotta, Wenli Jiang, Francisco Anawake, David Thewlis, Kelly Macdonald

ITALIA, 2005, 116 min.

SINOPSIS: Siete cortometrajes de siete realizadores diferentes que retratan las historias de siete niños anónimos alrededor del mundo. Tanza, un joven de sólo doce años, lucha por la libertad. Uroš está a punto de salir de un reformatorio juvenil. Blanca, una adolescente de Brooklin cuyos padres son drogadictos. Bilu y João sobreviven como "niños de la calle" de São Paulo. Jonathan, un fotógrafo de guera que recuerda su infancia. Ciro y su amigo Bertucciello asaltan a un automovilista para robarle su Rolex. Song Song y Little Cat, dos niñas chinas cuyas vidas se relacionan a través de una muñeca.

CRÍTICA: Hace pocos días que se celebró el día internacional del Niño y yo he visto una semana después esta película por recomendación de El rincón de Prometeo. Espero que muchísima gente en todo el mundo vean y continúen viendo esta película para que cada vez que alguien la vea sea como la celebración del Día Internacional de los Derechos del Niño.
Para hablar sobre la película empezaré diciendo que es la película más triste que he visto en mi vida porque no todos los niños han tenido o tienen, y me temo que no van a tener, derecho a un futuro feliz. Cada uno de los directores realiza su corto con arreglo a su personalidad y en algunos está claro, Spike Lee, John Woo, Kusturica. Pero todos y cada uno toman la mirada de esos niños hacia el entorno que les envuelve como parte fundamental de su relato. Cada ambiente es distinto, Africa y sus guerrillas, Brasil y su pobreza, China, etc. y en cada uno de esos ambientes los niños son iguales, sufren igualmente, son explotados igualmente, son marginados igualmente. No creo que haya una persona a la que no le impacte algunos de estos cortos. Por lo tanto, si no la habéis visto, os la recomiendo encarecidamente.

OLD BOY

2008-11-22T23:46:00.003+01:00

Oldeuboi - Oldboy
DIRECTOR Park Chan-wook
GUIÓN Park Chan-wook, Jo-yoon Hwang, Joon-hyung Im (Cómic: Nobuaki Minegishi)
MÚSICA Young-wuk Cho
FOTOGRAFÍA Chung-hoon Chung
REPARTO Min-sik Choi, Ji-tae Yu, Hye-jung Gang, Daaa-su Oh
Corea del Sur, 2003, 120min
SINOPSIS: Un hombre de negocios coreano es secuestrado y confinado en una celda DURANTE 15 AÑOS con una televisión. Al salir de su encierro buscará las razones y las personas que le llevaron a dicho encierro. En su búsqueda encontrará el amor de una muchacha mucho más joven que él.

CRÍTICA: Estas viendo esta película y parece que no te enteras pero quieres ver más porque sabes que te falta algo y llegas al final y te has enterado de una impresionante historia. Pero no es un final de explicación, sino que lo deduces tú, y el director jugará contigo hasta donde no te esperas.
Cuando estas viendo esta película muchas veces te preguntas que les dirías a tus amigos sobre lo que has visto. Y la respuesta es difícil porque toda ella está contada de una nueva forma cinematográfica en todos los aspectos: los planos, las secuencias, las transiciones, las elipsis, los diálogos, la música… todo está filmado y montado como no hemos visto hasta ahora en una película que el espectador puede seguir como el cine clásico. El cine de experimentación es otra cosa y aquí el director parece que realiza a conciencia sabiendo las reacciones que provocará en el público.Si tuviera que poner un pero, que no por mi, sino por otra gente que quiera verla, este pero sería respecto a la violencia en ciertas secuencias y una cierta truculencia en la historia. Si no tienes problemas y te gusta el cine, te animo a que la veas hasta el final y después piensa lo que quieras. Eso si, como en “Psicosis” no le cuentes el final a nadie.

MATA HARI

2008-11-20T11:24:00.004+01:00

DIRECTOR: George Fitzmaurice
GUIÓN: Benjamin Glazer, Leo Birinsky
MÚSICA: Franz Schubert
FOTOGRAFÍA William H. Daniels (B&W)
REPARTO Greta Garbo, Ramon Novarro, Lionel Barrymore, C. Henry Gordon, Alec B. Francis, Edmund Breese, Lewis Stone, Karen Morley
USA, 1931, 89min

SINOPSIS: En 1917 vive en París una seductora bailarina que se mueve entre diplomáticos, políticos y militares a los que saca información como espía.

CRÍTICA: Aunque sea por ver a la Garbo y los exóticos modelitos doy por bien empleada la hora y media que dura la película. Hay que situarse en el año 1931, ha terminado la 1ª guerra mundial y el mundo está convulso, como esperando la 2ª. Económicamente las cosas no van bien en la mayoría de los países, así que la gente necesita distraerse y los productores buscan este tipo de guiones para que sean interpretados por actrices y actores que con sólo su nombre atraerán al espectador a las salas de cine. Y visto así, añadiéndole un toque de nostalgia y un poco de historia del cine, se pasa un rato agradable viendo esta película. Si has empezado a verla y has llegado a la mitad sin renunciar, te aconsejo que llegues hasta el final. Es de los que puedes alucinar. Si alguien busca cine del bueno le aconsejo que no pierda el tiempo aquí.

LA BATALLA DE ARGEL

2008-11-16T20:29:00.002+01:00

La battaglia di Algeri
DIRECTOR: Gillo Pontecorvo
GUIÓN: Franco Solinas & Gillo Pontecorvo
MÚSICA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti (B&W)
REPARTO: Jean Martin, Yacef Saadi, Brahim Haggiag, Fusia El Kader, Samia Kerbash
ITALIA, 1965, 120min. 1966 León de Oro en Venecia

SINOPSIS: Argelia es una colonia francesa y durante los años 50 se produce un movimiento terrorista para la independencia del territorio.

CRÍTICA: Ver esta película después de 40 años de su realización y de más de 50 de los hechos que relata, sólo puede hacerse desde el punto de vista cinematográfico y si se quiere hacer una lectura política, habría que ir comparando los hechos relatados con la situación actual en Argelia.
G. Pontecorvo si toma posición a favor del FLN, desde el primer momento, presentando la detención de los cabecillas como consecuencia de torturas. Pero a este director hay que agradecerle que realizara esta película inmediatamente después de la independencia de Argelia. La ambientación, los lugares, la gente, son como eran en el momento de sus luchas y por eso se hace tan verídico lo que cuenta que parece un documental. El movimiento de masas es espectacular y lo que aparentemente es un movimiento caótico, como corresponde a la revolución, está tan bien dirigido que el espectador puede creer que es un reportaje gráfico periodístico.A estacar, así mismo, los primeros planos de la gente que nos van indicando los sufrimientos respectivos: lágrimas, niños, mujeres, rostros, torsos, que recuerdan sin duda “El acorazado Potemkin”. Y las escaleras, donde suben y bajan, donde caen, donde son arrastrados. Escaleras en el interior de las casas, en las calles estrechas o cuando las masas se rebelan, amplias escaleras.

NUEVE CARTAS A BERTA

2008-11-15T20:30:00.003+01:00

DIRECTOR: Basilio Martín Patino
GUIÓN: Basilio Martín Patino
MÚSICA: Carmelo Bernaola, Gerardo Gombau
FOTOGRAFÍA: Luis Enrique Torán (B&W)
REPARTO: Emilio Gutiérrez Caba, Elsa Baeza, Montserrat Blanch, Mary Carrillo, Antonio Casas, José María Casaux, Manuel Domínguez Luna, María Elena Flores, Rosa Fúster
España, 1966, 92min.

SINOPSIS: Un estudiante salmantino regresa de un estancia temporal en el extranjero donde se ha encontrado con formas de vivir que en España se desconocen. Y lo más importante, con españoles que viven exiliados. El choque con la realidad de los años 60 producirá en él una serie de reacciones.

CRÍTICA: Desde el final de la Guerra Civil española hasta los 60, todo el cine comercial que se hace en España es “adicto” al régimen y no da muestras de progresismo ni siquiera formalmente, cuando en Francia, Inglaterra, Alemania y hasta Italia están experimentando nuevas formas de contar una historia en una película. Por eso, cuando llega esta película a las pantallas españolas se produce un revuelo entre los aficionados al cine y hasta en los mismos profesionales de este arte que da nuevas esperanzas para un cine que todos clasificaban de forma despectiva como “español”. Atreverse a poner en duda la valía de los exiliados en cada uno de los campos donde desarrollaban sus actividades y desde un ambiente universitario en una ciudad calificada como franquista por excelencia podía tener todas las posibilidades de fracasar. Y no fue así, al menos entre el público que buscaba buenas películas.
Todo este entramado social de la película, por lo tanto político, religioso y económico, es, además, contado con una nueva forma a la que los espectadores no estaban acostumbrados: por capítulos, con abundancia de congelados y una continua voz en off que nos va dando a conocer lo que piensa el protagonista. Si todo ello se cuenta con una fotografía en blanco y negro muy buena, de la que el cine español ha sabido siempre utilizar; podéis imaginaros que estamos ante una película de las que formarán historia del cine.Cinematográficamente hoy día, en el 2008, es muy válida (como para estudiarla). Pero es que la temática que se podría considerar obsoleta, debido al interesante enfoque de los personajes y ambientes, podría considerarse un documental de la época.

MUSICA DE CINE

2008-11-13T19:14:00.003+01:00

PepedelMontgo me reta a que haga una selección de música de cine y aquí está el resultado. Ya se que todos conoceis de sobra esta música pero resulta divertido hacer una cosa de estas. Y como dice Pepe, el que quiera que siga la cadena.

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS

2008-11-12T20:52:00.000+01:00

Me gusta el cine musical. Hace años, cuando Basilio Martín Patino estaba marcando las tendencias cinematográficas con “Nueve cartas a Berta”, todo tímido escribí a la revista “Fotogramas” diciendo que “Siete novias para siete hermanos” me parecía una estupenda película. La respuesta de Mr. Belvedere, gurú de aquellos tiempos, diciéndome que estaba de acuerdo conmigo me llenó de satisfacción.
Y me gusta el cine musical, hoy lo se, porque puede unir de una forma total (también otros géneros) los distintos elementos del cine. Saber utilizar la música de forma diegética en una película me parece la unión de distintas artes en SEPTIMO ARTE.